sábado, 31 de marzo de 2012

LOVE IS ALL AROUND / THE TROGGS



"Love Is All Around" es una canción de la banda británica The Troggs que fue publicada como single en Octubre del año 1967, siendo una de sus canciones mas reconocidas con el paso de los años.
Liderados por el talentoso Reg Presley (cuyo verdadero nombre era Reginald Ball) esta banda lideró el movimiento Proto-Punk sesentero británico de buena forma, con una música excitante, que mezclaba la pureza de los riffs con los tintes psicodélicos de la época y con letras que jugaban con los sexual y lo oscuro.

Tras disfrutar del rotundo éxito con la buena promoción de su canción "Wild Thing", la banda se encaminó en la producción de su segundo hit, y la elegida fue la juguetona balada "Love Is All Around". Esta pieza fue escrita por el vocalista Reg Presley (que usaba ese emblemático apellido sólo con fines comerciales) luego de ver por televisión una actuación de la banda cristiana The Joystrings donde interpretaban de manera perfecta su llamativa pieza "Love That's All Around". "Recuerdo que había vuelto de Estados Unidos, era un Domingo, y desde la cocina salía el aroma de un sabroso almuerzo- habíamos pasado meses solo comiendo hamburguesas- besé a mi esposa, abrazé a mi pequeño hijo que en ese entonces tenía cuatro años. Comimos juntos, y fuimos al salón a mirar televisión, y ahí estaban Los Joystrings golpeando tambores, arrodillados y gritando frases de amor. Su música me llamó la atención de inmediato, y a mi esposa e hijo también quedaron maravillados con la energía de la canción... De esa experiencia decidí escribir esta balada" recordaría en Julio del año pasado Presley en una entrevista con la revista Mojo.

En tan sólo 10 minutos Reg escribió "Love Is All Around", con un aroma a folk, campo y amor libre y sincero. Una pieza ingeniosa de principio a fin, con un intro de guitarra sólido que sirve de cortina perfecta y cinstante para los extraordinarios juegos de voces.
Una pieza muy hippie, pero a la vez un ejercicio perfecto sobre como hacer una balada efectiva sin caer en lo cursi ni en lo trivial. Por eso es considerada una de las canciones mas aplaudidas de los 60's.

El 18 de octubre de 1967 fue la fecha exacta en que la canción llegó al puesto #50 en el UK Singles Chart y escaló de manera sombrosa a la casilla #5 el 22 Noviembre de ese mismo año. Se mantuvo dentro del top Ten por casi 15 semanas consecutiva, lo cuál ya era un record para la banda. Mientras que en Estados Unidos, lugar donde la invasión británica causaba furor y cesantía para los cantantes locales, la canción llegó a la casilla #7 del Billboard Hot 100 el 18 de Mayo del año 1968.

Pero el éxito de la canción tomaría nuevas energias en los 90's, específicamente en Mayo del año 1994 cuando la banda escocesa de Pop Wet Wet Wet hizo una nueva versión de "Love is All around" con motivo de la banda sonora de la película Cuatro bodas y un funeral. En esa ocasión la ieza estuvo quince semanas liderando los charts británicos y de paso logró resucitar los viejos discos de esta emblemática banda inglesa que dejó un gran legado musical para la historia del Rock.
Que la disfuuten!

martes, 27 de marzo de 2012

ANY ROAD / GEORGE HARRISON



"Any Road" es una canción del músico británico George Harrison que fue lanzada como single un 12 de mayo del año 2003 promocionando el disco póstumo Brainwashed.
Compuesto por varias canciones inéditas y un par de demos a medio trabajar, este disco fue publicado el 18 de Noviembre del año 2002 a casi un año de la repentina muerte del ex-Beatle a causa de un cáncer al pulmón. Pero este trabajo no era el la típica remasterización de cintas que se le hace al artista después de muerto para sacar un puñado de dinero a través de su leyenda, sino que era un proyecto que tenía en mente Harrison tras comenzar nuevamente sus terapias frente al combate de su comentado cáncer que lo iba debilitando lentamente. Para ello, el músico seleccionó varias piezas que tenía escritas desde el año 1988, y junto a su hijo Dhani y a su colega y amigo personal Jeff Lynne empezaron a trabajar cada cinta detalle a detalle. Lamentablemente el cáncer y sus derivados le ganaron la batalla al buen George, quien en sus ultimos días de vida le dejóel camino hecho a su hijo y a Jeff para que tomaran su tiempo y dejaran bien terminadas las canciones, ya que el disco tenía que salir sí o sí. De esa manera sale a la luz pública este Brainwashed, un disco oscuro, intimista pero con una calidad musical notable que nos trae nuevamente a Georgey su canto de paz y amor, como si hubiera bajado directamente desde los cielos.

La historia cuenta que la canción "Any Road" fue escrita en el año 1988 en Hawaii, mientras George grababa una entrevista promocional para su disco que había lanzado en ese entonces: El magnífico "Cloud Nine".
Pero la inspiración no vino de la nada, y tampoco fue tan fácil de encontrar dejando todo en los brazos del azar. Por eso, días, y aprovechando su estadía en Hawaii, George salió con su hijo Dhani a caminar por las extensas y preciosas playas de la zona. Durante su caminata el guitarrista y cantautor se quedó pegado leyendo un letrero que colgaba de una casa, y que decía lo siguiente: "If the wind blows, you can always adjust your sails, but, if you don't know where you're going, then any road will take you there." Esa fue la señal para anclar en la canción que luego sería elegida como el segundo corte comercial de este comentado álbum.

"Any Road" habla sobre la vida en torno a la ambición y al éxito. En ella, George nos recomienda que si no tomamos las medidas correspondientes, o los caminos necesarios para llegar al resultado positivo simplemente estaremos naufragando en un mar de dudas y decepsiones.

Pero la canción tuvo una repentina aparición en el año 1997, cuando Harrison la presentó en formato acústico dentro de un programa especial emitido por la cadena televisiva VH1 y bajo la conducción del maestro Ravi Shankar. Este dato nos deja muy en claro que la canción ya estaba casi lista en esos años y que quizás sólo faltaban las ganas de George para grabarla y editarla. Pero con este músico nada se sabía...

En mayo del 2003 "Any Road" se convertiría en el ultimo single editado por George Harrison, aunque esta vez de manera póstuma. La canción tuvo una buena promoción en los medios y llegó al puesto #37 del UK Singles charts, dejando en claro que la voz de George y su mensaje jamás se apagará.
Que la disfruuuten!

sábado, 24 de marzo de 2012

HOW? / JOHN LENNON



"How?" es una canción del famoso músico británico John Lennon, que fue incluída en el Lp "Imagine" (8 de Octubre de 1971) , su segundo trabajo musical (y no experimental) en calidad de solista para el que fuera líder y fundador de The Beatles.
Gracias a las crecientes ventas de este disco y por tener un tacklist de diez puntos, la carrera como solista de Lennon tomó el flote necesario para llegar a la inmortalidad. Es que "Imagine" es una joya perfecta, donde John nos muestra todas sus caras, desde la social y política hasta prosas con sentido mas personal e influenciadas por el duro proceso de renovar su vida y salir, auqnue sea un rato, de los excesos provocados por el abuso de la fama y el repentino derrumbe de Los Beatles.

1970 fue un año complicado para los Lennon- Ono. Es que el final de The Beatles dejó réplicas vivas en cada uno de sus integrantes, y uno de los más afectados fue John. Debido a eso, y a las heridas de ese final que casi paralizó al mundo, Lennon y su pareja viajaron a Los Ángeles y decidieron entrar a unas sesiones de la terapia primal bajo la supervisión de Arthur Janov, el psicologo que ideó y creó esta terapia para aquellas personas que pasaban por dificultades en sus relaciones de pareja, problemas personales, o que buscaban obtener éxito a nivel laboral y financiero.
En el caso de John, la terapia iba enfocada en poder enfrentar los traumas infantiles que lo tenían muy aproblemado y deprimido. Fueron 4 meses donde Janov tuvo a la pareja bajo sus ordenes y los ayudó hasta lograr buenos resultados en el alta médica. De hecho el primer disco de Lennon solista, el aclamado John Lennon/Plastic Ono Band , está muy influenciado dentro de sus letras de cada pieza por ese periodo de desahogo y de limpieza espiritual.

Pero también quedaron canciones fuera de ese disco, y que estaban inspiradas en la Terapia y a medio hacer o en el tintero o alguna carpeta.
Una de esas piezas era "How?", una llamativa balada que Lennon había escrito a finales de 1970. Si bien con el paso de los meses la canción fue cambiando su parte lírica ante cada demo al piano, la idea principal se mantenía intacta: La inseguridad de no saber que le tenía preparado la vida.

En ella, Lennon se cuestiona temas personales ("How can I go forward when I don't know which way I'm facing?) y también raya la cancha con serias y potentes reflexiones sobre el mundo ( "And the World is so tough; Sometimes I feel I've had enough"). En resumen, la canción nos trae a un Lennon que abre su alma y busca una explicación ante todos los secretos e inquietudes que aparecen en la vida. Quizás influenciado por la Terapia Primal y además por el término de ese sueño, como llamaba a la Beatlemanía, es que esta canción se convierte en una pieza notable, perfecta y de alta calidad.
En el plano musical, la canción destaca por su ritmo sincopado al piano, con tintes claros apaegados a la incertidumbre que rodea la temática de la canción.
La producción estuvo a cargo de Phil Spector, a quien Lennon le dió toda la confianza de armar y desarmar sus canciones con el fin de lograr un disco perfecto y potente.

Grabada en dos sesiones, una entre el 11 y 16 de Febrero de 1971 en los estudios Abbey Road y la otra un 23 Junio en las salas de Record Plant, en Nueva York, esta canción destaca por su letra tan potente y por traer al Lennon mas real, al Lennon preocupado del mundo, al Lennon eterno...
Que la disfruuten! (un regalo en voz de Ozzy)

jueves, 22 de marzo de 2012

LET'S STAY TOGETHER / AL GREEN



"Let's Stay Together" es una canción del cantante y compositor estadounidense Al Green que fue lanzada como single en Diciembre del año 1971.
Siempre aliado al Gospel y a la religión, Al Green supo reinventar su carrera con el paso de los años fusionando esas características musicales y espirituales con el Soul y el Funk, dejando en claro que su lado comercial era también con calidad. Su periodo más exitoso estuvo en los 70's, donde fue considerado un "super ventas" por sus magníficas piezas musicales adornadas de manera espectacular con su voz de barítono y con un fasette notable.

"Let's Stay Together" es una balada que habla del amor incondicional en la pareja, donde ambos están decididos a afrontar los momentos malos y a disfutar los momentos buenos, y en donde esa suma dá como resultado la confianza de una relación sólida.
Escrita por Al Green junto a Al Jackson Jr. y Willie Mitchell, esta balada llegó a ser el gran éxito comercial de este cantante oriundo del Arkansas. Por si no lo sabían, Jackson hizo una exitosa carrera musical como baterista de la legendaria banda Booker T. & the MG's mientras que Mitchell era un famoso productor, cuya carrera era muy comentada en el circuito musical de Memphis, y que además trabajaba junto a Green en la edición de sus trabajos musicales. Por lo tanto, la calidad musical de esta rola también venía de la mano con el talento musical de cada uno de estos personajes.

La historia cuenta que la canción tuvo su orígen de un demo que tenía guardado hace un par de meses Willie Mitchell para algún proyecto que nunca salió a la luz pública. Pero una tarde en que andaba en busca de nuevas canciones para el nuevo disco que estaba preparando Green, el productor decidió mezclar esa vieja cinta y arreglar la parte instrumental junto a Jackson. Tras ese trabajo decidió mostrársela a Al Green, quien tras escucharla no quedó muy a gusto con el resultado, y la tachó de "poco comercial".

A partir de ese momento, Green le dió un rotundo "no" a la rola, y dejó con los crespos hechos al pobre Willie Mitchell que con todo su esfuerzo había arreglado la cinta en el estudio. Pasaron dos horas, y tras una larga dicusión con su productor, Green decidió darle una oportunidad a la pieza musical y en sólo 5 minutos escribió la letra para grabar el primer demo con su voz. Pero el resultado final, tras la grabación, no dejó del todo conforme al cantante, quien nuevamente la dejó en carpeta, pese a que Mitchell insistía en grabarla otra vez para depurar mas detalles.

Tuvieron que pasar dos días, para que nuevamente Green tomara en serio a la canción y la volviera a grabar. Esta vez, el productor había ideado nuevos arreglos a la parte instrumental mientras que Green cambió frases y movió alguna metáforas para llegar a la versión definitiva: Una canción de amor, de reconciliación, de perdón bajo un manto musical notable de buen Soul. Por eso, no hay dudas en que Green y Mitchell habían logrado crear una joya.

Finalmente, y pese a que la previa no fue tan fácil, "Let's Stay Together" llegó al puesto #1 del Billboard Hot 100 el 12 de Febrero del año 1972, donde se mantuvo por nueve semanas consecutivas en los más alto. Esta canción sería el gran hit de este cantante que además se dedicaba a las tareas religiosas como pastor evangélico en Memphis.
La canción fue considerada por la prensa estadounidense como "la mejor del año" a finales de 1972 y además con el paso del tiempo llegó a ser catalogada como "clásica". Un buen ejemplo del legado de Green con estos acordes es que en el año 2004 la Revista Rolling Stone, junto a un jurado de expertos, colocó en la casilla #60 a esta canción dentro de su lista "500 Greatest Songs of All Time". Un clásico eterno...
Que la disfruten!

domingo, 18 de marzo de 2012

SUNDAY BLOODY SUNDAY / U2



"Sunday Bloody Sunday" es una canción de la famosa banda irlandesa U2 que fue publicada como single un 11 de Marzo del año 1983.
Esta canción pertenece al tracklist de su aplaudido y muy comentado tercer disco, titulado "War", que lanzó a la fama mundial a esta banda liderada por el cantante y pacifista (?) Bono, y que sería la previa de su joya máxima, el majestuoso The Joshua Tree. Este disco, que contó con la producción de Stephen Lillywhite, destaca por contener una lírica que toma un carácter político- social y acusativo, mezclándose con armonías musicales de guitarras furiosas, baterías marchantes como si fuera un desahogo constante del ser humano ante los problemas que azotan al mundo.

"Sunday Bloody Sunday" es de esas canciones valientes y acusativas que derrocha el disco, y quizás es el emblema eterno de la banda en su camaleónica postura social con el paso de los años. Bono, quien comparte la autoría de esta rola junto a The Edge, siempre ha mencionado que no se trata "de una canción rebelde" sino que está ligada a la verdad de un trágico suceso que marcó con sangre a su país. El cantante se refiere al comentado episodio que vivió su natal Irlanda y que fue conocido en todo el mundo como "El Domingo sangriento".

En la historia de ese país existen dos episodios bautizados con ese título. El primero data del año 1920, en plena Guerra Irlandesa de la Independencia, cuando aparecieron tropas británicas en medio de un partido de fútbol en el Croke Park. donde se enfrentaban combinados de Tipperary y Dublin, y sin piedad ametrallaron a los espectadores y jugadores en represalia por el asesinato de un grupo de agentes secretos británicos.
El segundo y también trágico "Domingo Sangriento" tuvo fecha el el 30 de enero de 1972, en Derry, Irlanda del Norte, donde un grupo de paracaidistas del ejercito británicoasesinaron a 13 ciudadanos que participaban pacísifcamente en una marcha por los derechos civiles. Específicamente sobre este último suceso es que habla la mítica canción de U2.

Las letra de esta canción, escrita por el guitarrista David Howell Evans o mejor conocido como The Edge junto al frontman de la banda, Bono, es una crítica fuerte hacía esos necios que por el derramamiento de sangre de personas inocentes que simplemente buscaban la Paz para Irlanda. Ambos músicos han declarado que la canción no contiene tintes políticos y que simplemente busca informar y discutir sobre estos actos que muestran que aún existen personas que razonan y reaccionan peor que animales sin rumbo. En especial la crítica de esta pieza iba hacía el Ejército Republicano Irlandés (IRA).

Durante las sesiones de grabación, en Junio de 1982 en los Windmill Lane Studios, en Dublín, el productor Steve Lillywhite le recomendó al baterista Larry Mullen Jr. , que estaba bastante complicado en la intro, que utilizara un Click Track (una especia de metrónomo). La respuesta del baterista fue un rotundo "no".
Pasaban las sesiones, y el baterísta sudaba y sudaba buscando llegar al toque perfecto de la caja y el bombo. Hasta que apareció en el estudio, a pedido del productor, Andy Newmark , que tocó la batería en Sly & the Family Stone y le enseño los secretos y las ventajas de usar un Click Track al momento de grabar un solo. De esa manera Mullen logró sacar el intro de que necesitaba sí o sí la canción. Pero Lillywhite era un detallista extremo, y tras escuchar los tambores decidió darle un sonido mas natural, como si estuviera tocando en un escenario. Para ello trasladó los microfonos, los cables, una mesa de control y la batería a un pasillo de los estudios de grabación y de esa manera logró el resultado final: Un sonido limpio y con eco natural.

Una vez que tenían la parte instrumental lista, Lillywhite encontró que faltaba incluír algo más para hacerla mas notable y no tan monótona. Como aún quedaban días para entregar la cinta, los integrantes de la banda se dedicaron a experimentar sonidos, utilizar sintetizadores o quizás agregar juegos de voces. Pero la solución ante ese problema llegó sin querer una mñana en que "The Edge" esperaba el bus en un paradero para ir rumbo al estudio de grabación. En esa fria mañana apareció a su lado Steve Wickham, un aclamado violinista irlandés que se sorprendió al ver al guitarrista de U2 en ese lugar. Tras una larga conversación, Wickham le preguntó, sin pelos en la lengua, si U2 necesitaba algúna parte de violín para alguna pieza del disco que estaban grabando. El guitarrista no lo pensó dos veces, y en la misma tarde de ese día ya estaba grabada la parte de un violín eléctrico en manos de Wickham. El problema estaba solucionado...

La canción cautivó a gran parte de Europa (donde se temía ser tachados con la censura en los medios) y también pegó fuerte en los Estados Unidos (llegó al puesto #7 del Mainstream rockero). Con el paso de los años, la canción tomó un sentido social mas fuerte y es considerado uno de los himnos mas importantes en favor de la paz mundial.
En el año 2003, en medio de la ceremonia donde Los Clash fueron elegidos para entrar al Rock And Roll Hall Of Fame, uno de los encargados de los discursos fue el mismísimo The Edge, que se declaró fanático de esa mítica banda inglesa. En esa ocasión el guitarrista dijo: "No lo puedo negar. Canciones como " Sunday Bloody Sunday " no hubieran nacido si no fuera por The Clash." Mas claro no podía ser...
Un año despues, la canción ingresó a la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos hecha por la revista Rolling Stone, ubicándose en el puesto 268.

Que la disfruten!

sábado, 17 de marzo de 2012

THE BACK SEAT OF MY CAR / PAUL & LINDA McCARTNEY



"The Back Seat of My Car" es una canción del famoso músico británico Paul McCartney, que fue lanzada como single un 13 de Agosto del año 1971. Además esta canción forma parte del repertorio del disco "Ram", segunda placa en calidad de solista de este ex-Beatle y que además compartía créditos junto a su amada esposa Linda.
A pesar de que la crítica hizo pedazos el disco, con el paso de los años muchos músicos (y además reconocidos en la escena rockera) han declarado su fanatismo por esta obra musical etiquetandola como una pieza que fue, quizás, muy adelantada para su época. Ese extraño y a la vez experimental Pop sumado a ese energético Rock al natural en manos del Paul solista sería el piso definitivo para encaminar una carrera solista que daría buenos frutos años mas tarde por todo el planeta.

"The Back Seat of My Car" es la pieza encargada de cerrar este extraordinario disco. Pero en el plano real, esta canción fue una de las primeras que tenía escrita Paul para este nuevo proyecto. De hecho, la pieza fue escrita en 1969 cuando aún Los Beatles se veían las caras frente a frente en el estudio de grabación.
Documentos de Abbey Road destacan que una improvisada versión de esta canción fue interpretada por McCartney al piano el 14 de enero de 1969. Desde ese momento no se ha encontrado otra cinta que contenga mas partes de la canción.

Fue recién en Marzo del año 1971, cuando Paul y su tropa de músicos deciden retomar la "rola" en las sesiones de grabación en los estudios "A and R", ubicados en Nueva York. Esta vez, es sí, sin tanta improvisación y con una base armónica sólida e inspirada en las piezas musicales de los Beach Boys, a quien pretendía hacerle un sencillo homenaje.
Es que durante su estadía en Estados Unidos, Paul se dió el lujo de volver a visitar a su amigo Brian Wilson, el cerebro creativo de los Beach Boys. Fue en esas visitas donde ambos compartieron experiencias y quizás crearon una que otra canción para pasar el rato. Lo cierto es que la influencia del señor Wilson es muy notoria en esta canción, a tal punto que algunos investigadores de estos músicos aseguran que en la grabación de la parte instrumental de la canción estuvieron metidas las manos de Brian, en especial en el corte orquestal que suena muy a su estilo ( o simplemente Paul, que es otro capo y estuvo a cargo de la producción del disco, lo llegó a imitar de manera perfecta).

En el plano del contenido lírico, esta canción también trae algo notable: Una letra mágica y muy llamativa. Es que va de la mano con la nostalgia, y los sueños de adolescente de un Paul que venía saliendo de un proceso duro, de adicciones y depresiones tras el derrumbe de su banda y que llevó a un drástico giro dentro de la historia ya que la culpa de ese final sólo recaía, y de manera injusta, sobre su persona.
Sobre la temática de la canción, en Julio del 2001 el mismísimo Paul comentaría en la revista Mojo: ""The Back Seat Of My Car" es muy romántica, en especial la parte que dice: 'We can make it to Mexico City.' Es una canción de adolescentes, bajo el estereotipo del padre que no está de acuerdo con la rebeldía de su hijo, quien junto a su amada deciden conquistar el mundo. Además el emblemático músico agregó una joyita al señalar que" obviamente, eso del 'asiento de atrás' se refiere a estar besándose, a estar haciendo el amor".

El 13 de Agosto de 1971 fue lanzada como single, acompañada con la campestre "Heart of The Country" en el lado B. Lamentablemente, y eclipsada por las malas críticas del disco, la canción simplemente fue un fracaso comercial, llegando sólo al puesto #39 en el UK Singles charts.
Pero también trajo en sus espaldas una nueva polémica semanas después de su estreno, y vino de parte de John Lennon, quien en esos días no andaba de muy buenos animos. Es muy reconocido en el ambiente rockero que en "Ram" hay ciertos mensajes ocultos e incluso canciones dedicadas de parte de Paul a su entonces ex-amigo y partner en The Beatles. Si bien era el mejor escudo para marcar cancha en esta inútil guerra de egos, Lennon sintió que en "The Back Seat of My Car" también se le hacía referencia a él y asu esposa Yoko Ono. La frase que dejó "cachudo" a John fue "we believe that we can't be wrong." La respuesta de John llegó de inmediato dentro de una entrevista: "I believe that you could just be wrong."

Mas allá de la polémica y los malos resultados del single, esta debe ser una de las piezas escenciales dentro de la carrera musical de Paul. Una pieza nostálgica, de amor y adolescencia que se juntan y son mas fuertes frente a los problemas. Una canción eterna...
Que la disfruten!

jueves, 15 de marzo de 2012

KEEP ON LOVING YOU / REO SPEEDWAGON



"Keep On Loving You" es una canción de la banda estadounidense REO Speedwagon, y que fue lanzada como single un 4 de Novembre del año 1980 y está incluída en Hi Infidelity, el noveno trabajo musical de esta emblemática agrupación de Hard Rock.
Los inicios de esta banda oriunda de Illinois datan del año 1968, y en medio del ambiente universitario de ese entonces. Fue en esos momentos de rock alternativo en que cinco estudiantes ,Kevin Cronin (guitarra y voz), Gary Richrath (Guitarra y voz) , Neal Doughty (Teclados) , Alan Gratzer (batería) y Bruce Hall (bajo), llamaron la atención de un joven productor llamado Inrving Azoff que luego alcanzaría la fama mundial trabajando junto a Eagles y Kansas.

Si bien en los 70's REO Speedwagon eran conocidos en la escena musical como unos melenudos que hacían trizas sus guitarras bajo el manto del Hard Rock; los altos y bajos en su carrera y el fracaso comercial de uno que otro disco hicieron que en el cambio de década los integrantes de la banda se juntaran en su bunker para analizar el futuro del proyecto que traían a sus espaldas. Fue gracias a esas conversaciones en que la banda decidió dar un giro a su estilo musical y probar suerte en el mercado de las baladas rockeras, que por ese entonces estaba pasando un momento muy oscuro en los medios.

Uno de los integrantes de la banda que no estaba muy seguro del cambio de línea musical era el tecladista Neal Doughty, quien se ponía el parche antes de la herida al comentar lo mal que se sentiría al escuchar de boca de la fanaticada el cambio rotundo de piezas rockeras y pesadas a melodías suaves y letras de amor con corte "cursi".
Fruto de esos dialogos, y de unas buenas vacaciones para reponer el cansancio, empiezan las grabaciones del disco "Hi Infidelity", que pasaría a ser el super.ventas de la banda. "Durante la grabación de ese disco, cada integrante de REO Speedwagon tenía sus problemas sentimentales, como divorcios o infidelidades, o estaba pasando por un periodo de confusión manejado por el vivir la vida como si fuera una locura. Tengo la imagen intacta de ese momento en que Kevin (Cronin) presentó una balada llamada 'Keep on Loving You " y yo estaba un poco aprensivo sobre si dar el visto bueno para la grabación de esa pieza. Hay que recordar, que hasta ese momento, eran mas conocidos en los medios como una banda de rock y ahora salíamos con una canción suave" recordaría el tecladista en medio de una entrevista con un medio local a mediados del 2011.

Tal como lo menciona Doughty, la primera pieza que marcó la cancha en esta nueva faceta musical de la banda fue una (power) balada llamada "Keep On Loving You", que fue escrita por Cronin tras descubrir que su esposa lo engañaba. Enfundado en la pena, la rabia, la sorpresa y el dolor, el vocalista de la banda creó esta pieza que sería fundamental para la banda.
Grabada un 3 de septiembre de 1980 en los estudios del sello Epic, el resultado final fue una canción moldeada para ser tocada en todas las radios. Además no era la típica canción de amor simplona del Pop (donde muchas veces se prefería mostrar con todo al cantante fashion antes de experimentar sonidos), ya que en esta balada encontramos unos potentes riffs de guitarras, una actuación vocal de mil puntos y unos llamativos cambios de ritmo que la dejan como una pieza inolvidable dentro de la década de los 80's.

El 21 de Marzo del año 1981 fue la fecha exacta en que esta balada llegaba al primer puesto del Billboard Hot 100, y además recibía un premio especial por ser la canción número 500 que llegaba a ese puesto del tan aclamado chart. Semanas después la banda posaba con un disco de Platino, tras vender 2 millones de copias de su single. Al parecer, el nuevo proyecto, o más bien, la nueva faceta musical de la banda estaba dando buenos frutos. Y fue con este rotundo éxito en los charts en que otras bandas ligadas al Rock, como Journey, Foreigner y Styx, también idearon esa fórmula de actualizar su repertorio abrazando las baladas románticas.

Pero eso no era todo, ya que en el año 1991 la banda decidió publicar un album recopilatorio titulado "A Decade of Rock and Roll 1970-80" donde aparecía una interesante versión a ritmo de reggae de "Keep on Loving You", que de inmediato sonó en las radios que se daban un paseo por los 80's, una época de grandes bandas y solistas.
Que la disfruuuuuten!

domingo, 11 de marzo de 2012

I WANT YOU BACK / JACKSON 5



"I Want You Back" es una canción del grupo musical estadounidense The Jackson 5, que fue lanzada como single el 7 de octubre del año 1969 promocionando su disco debut: El aplaudido Diana Ross Presents the Jackson 5 .
Esta agrupación estaba formada por cinco hermanos afroamericanos, oriundos de Indiana y que tenía como representante a su padre, Joseph Jackson, quien desde el año 1962 que andaba en busca de un sello que se animara a sacarle el jugo a cada uno de los talentos muiscales que mostraban sus hijos. Finalmente, y tras una extensa sesión de prueba, la banda quedó seleccionada en la Motown, ya que los productores se fijaron atentamente en los dos muchachos que hacían las voces principales: Michael Jackson y Jermaine Jackson.
Los Jackson 5 demostraban todo su profesionalismo al no hacerle el quite a ningun estilo musical , y por ello en su extenso catalogo musical encontramos canciones ligadas al R&B, al soul, al funk, y posteriormente al fenómeno de la música disco. Considerados por la prensa como uno "fenómenos", esta agrupación dejó en claro que no eran parte del simple Pop desechable.

Una vez que el padre de los Jackson estampó su firma con la Motown, los productores, encabezados por Bobby Taylor, empezaron de manera inmediata a crear y capturar canciones para promocionar a esta nueva banda. En medio de la búsqueda, se encontró una cinta que estaba en los estantes de los "demos". Se trataba de la maqueta de una canción llamada "I Wanna Be Free", y que estaba designada originalmente para Diana Ross (la reina del sello en ese entonces) pero debido a que tenía un repertorio mas sólido y heterogéneo fue cedida para que la trabajaran junto a Gladys Knight & the Pips. Esta canción tenía un detalle muy particular: Estaba escrita por The Corporation, conformado por un selecto grupo de compositores que tenían su guarida en California. Los integrantes de esa agrupación eran Berry Gordy, Freddie Perren, Alphonzo Mizell y Deke Richards.

Al no encontrar una canción llamativa para el debut del grupo con la Motown, fue el mismísimo Berry Gordy (que además era el dueño y fundador del Sello) quien decidió retomar esa canción y adaptarla al estilo de la banda, que además estaba formada por pre-adolescentes. Para ello, Gordy se inspiró en su anterior trabajo con Frankie Lymon, otra estrella adolescente promocionada por su sello, a quien le adaptaba las letras de amor para no caer en lo polémico o lo supuestamente vulgar (la prensa de ese entonces ponía mucho ojo a las letras de las estrellas Pop). Fue de esa manera en que la "rola" "I Want To Be Free" dejó de ser la elegida para Knight y pasó a ser bautizada como "I Want You Back" con el fin de que tome una curva mas ligada a la canción de amor.

Gordy le tenía mucha fé a esta banda, y esperaba que estos chicos fueran los encargados de hacer reflotar el sello en los 70's. Es que la invasión británica y el Pop Psicodélico dejó a la Motown de brazos cruzados y smplemente mirando los primeros lugares d elos charts. Pero en los Jackson 5 estaba la formula para cambiar de aires. Por eso, el Gerente general no lo pensó dos veces en ayudar a la banda.

"I Want you Back" fue grabada la primera semana de Julio del año 1969, en Los Angeles, California; y bajo la producción de Bobby Taylor y los componentes de The Corporation.
El encargado de la voz principal fue Michael, el menor de los Jackson 5 con tan sólo 11 años de edad, que derrochó todo su talento en las canchas profesionales del Pop.
La parte instrumental estuvo a cargo de musicos de estudio e integrantes de la Corporation:Mizell en el piano, Wilton Felder y Don Peake en bajo , los guitarristas David T. Walker y Louis Shelton y Gene Pello en la batería.

En octubre de 1969 la canción empezó a sonar en las radios. Con el paso de los días las fama de los Jackson 5 iba en rápido ascenso y eso se vió reflejado cuando un 10 de Enero de 1970 alcanzó la cima del Billboard Hot 100, donde se mantuvo en esa casilla hast a el 31 de Enero cuando fue desplazada por "Venus" de la banda The Shocking Blue.
"I Want You Back" fue la canción que le dió el puntapié inicial al éxito de esta agrupación dentro del Pop setentero. Con ellos, llegaron una tropa de artistas adolescentes que querían pavimentar y catapultar a la fama el camino de este estilo musical. Algunos tuvieron sus minutos de fama, otros se perdieron en el intento y los demás fueron Jackson 5.
Que la disfruuuu...!!

sábado, 10 de marzo de 2012

WAKE UP LITTLE SUSIE / THE EVERLY BROTHERS



"Wake Up Little Susie" es una canción del dúo estadounidense The Everly Brothers, que fue publicada como single el 2 de Septiembre del año 1957 y que tuvo el honor de ser su primer "number one" en su tierra natal.
Don y Phil Everly, oriundos de Kentucky, formaron uno de los dúos musicales mas famosos e influyentes en la historia del rock and roll. En sus llamativas armonías vocales no dejaban pasar ningún musical, y por ello dentro de su extenso catálogo musical podemos encontrar piezas con sabor a Folk, a Country, a Rock and roll y al Pop.
Por eso, y si usted es un melómano aventurero, no deje pasar a estas voces que se hicieron eternas (y que aún siguen vigentes sobre el escenario) y que en el año 1986 tuvieron el prestigio de integrar el Salón de la Fama del Rock and roll.

La canción que traemos hoy fue escrita por el matrimonio formado por Felice y Boudleaux Bryant en los primeros días de 1957. Ambos eran unos prestigiosos cantautores que decidieron brindar ayuda a los Everly Brothers cediéndoles varias de sus canciones durante la década de los 50's, que a la postre serían hits eternos. Gracias a esa participación, la pareja de compositores también se dieron el lujo de escuchar sus piezas en voces de personajes tan emblemáticos como Bob Dylan, Elvis y Buddy Holly.

"Wake Up Little Susie" relata la historia de amor de dos adolescentes que van a compartir en un "drive-in", y que tras una buena conversación, una rica merienda y jugarretas varias se dan cuenta que ya habían pasado la hora del permiso de sus padres.
En medio de la desesperación y el miedo, ambos deciden inventar una historia que sirva de salvación para los castigos y los malos pensamientos de sus padres. Nos referimos a "malos pensamientos" a que podía caer la sospecha que ese chico y esa chica puedieron tener relaciones sexuales a escondidas y lo del atraso en la hora de llegada sea en función de eso.
Si bien dentro de la canción no se menciona que ambos cayeron en las garras del sexo, si se deja con algo de ironía un doble sentido revotando en el área.

Debido a la oscuridad de su temática tan metafórica (?), cuando la canción sale publicada como single en Se recibió una notificación de censura de parte de algunas radioemisoras conservadoras de Boston, acusándola de fomentar el embarazo adolescente y el desorden público.
Pero esa etiqueta no le importó a otras radios ni a los demás medios de comunicación que no hicieron tanto "chamullo" con el tema y que la promocionaron de tal manera que llegó a liderar el Billboard Pop chart el 21 de Octubre de 1957 y donde se mantuvo por 2 semanas.
Pero eso no fue todo, ya que unos días después se supo que "Wake Up Little Susie" también lideraba el Billboard country chart, y además había traspasado las fronteras logrando llegar al segundo puesto del UK Singles charts.

Como dato importante, hay que señalar que las guitarras estuvieron a cargo del maestro Chet Atkins. Este mítico músico de Nashville (que salió con honores del conservatorio) con el paso de los años logró crear un sonido distintivo (bautizado como "Sonido Nashville") bajo las sesis cuerdas, en especial por su técnica de tres dedos.
Y para finalizar la historia de esta canción, nos iremos con una graciosa anécdota que une a un ex-Presidente de los Estados Unidos con esta emblemática canción. Resulta que durante la campaña presidencial del año 2000, el famoso Show de Oprah Winfrey, decidió entrevistar a los candidatos de cada frente político y dejarlo ante los espectadores como unos simples seres humanos que quieren lo mejor para su pais (?). En el programa donde la famosa presentadora entrevista a George W. Bush tuvo la llamativa idea de preguntarle sobre sus gustos musicales, en pescial por su canción favorita, esa que no puede faltar en su tracklist diario. Ante la pregunta, un relajado Bush responde: "Wake Up Little Susie de Buddy Holly." Hasta donde sabemos, ese emblemático músico jamás hizo una versión de esta canción (como si lo hicieron bandas como Suzi Quatro ó The Flying Burrito Brothers) o quizás bajó el MP3's incorrecto o tiene una cinta de Holly con esa canción y que jamás ha sido escuchada por la fanáticada. Lo cierto es que causó risas, y fue noticia durante una semana...
Que la disfruuten!


jueves, 8 de marzo de 2012

RUN FOR YOUR LIFE / THE BEATLES



"Run for Your Life" es una canción de la banda británica The Beatles, que está incluída en el album Rubber Soul (1965), el sexto trabajo discográfico de esta emblemática agrupación.
Este disco, lanzado en Diciembre del año 1965, nos trae una llamativa introducción sobre el cambio musical que mostraría la banda a mitad de los 60's. Tanto en la parte lírica como en lo musical, la banda de Liverpool muestra su madurez a la hora de relatar reflexiones sobre la vida, problemas sentimentales, historias secretas y otras cínicas por medio de sus canciones, dejando claramente de lado la simpleza "Yeah, Yeah" de sus trabajos anteriores.

Una de esas canciones que compone este gran disco es Run For Your Life, acreditada a McCartney/Lennon, pero en realidad fue escrita 100% por ese ultimo personaje.
Existen muchos comentarios no oficiales sobre el nacimiento de la temática de esta canción, pero simplemente quedan como eso: Humo de rumores.
Lo que sí fue confirmado por John, es que esta canción tomó su forma gracias a una frase que aparecía en una canción de Elvis Presley: La famosa "Baby, Let's Play House".
En esta "rola", que fue escrita por Arthur Gunter en 1954 y que causó furor en voz del "Rey del Rock" en Julio de 1955, aparece una frase que dejó con los pelos de punta al Lennon adolescente, y era:'I'd rather see you dead, little girl, than to be with another man' (en español: Prefiero verte muerta, nena, antes que con otro hombre).

Esa frase siempre estuvo rondando en la cabeza del músico, hasta que en plena sesion de grabación del disco la banda se vió muy apurada con el tracklist, y de manera rápida John se hizo de las riendas de su grupo y retomó esa línea para crear una canción con aires amenazantes y machistas. En ella se notaba a un Lennon rabioso, ultra-celoso y capaz de llegar mas allá de los límites permitidos en el plano de una relación amorosa.

El 12 de octubre de 1965 fue la fecha exacta en que los Beatles grabaron "Run For Your Life". En esa sesión los Fab Four grabaron 4 intentos incompletos de la pieza musical, y finalmente, cuando arreglaron ciertos detalles, grabaron una quinta versión donde dejaron la parte instrumental lista. Luego se añadieron los panderos (en manos de Ringo), la guitarra acústica, la guitarra eléctrica y los coros. En total, la grabación de la canción duró 4 horas y media.

Años después Paul McCartney comentaría sobre esta llamativa temática de su canción: "John (Lennon) siempre se fugaba, corría por su vida, a pesar de ya estar casado. Para mí nunca fue un problema juntarme con otras chicas, porque tenía una relación sentimental mas abierta, asi que nunca me sentí presionado ni preocupado como John. Para mí, esa canción tiene un poco de machismo entre sus líneas".
En los 70's, un Lennon que daba cátedras para lograr la paz mundial y que además apoyaba las acciones feministas junto a su esposa Yoko Ono, expresó de manera muy sincera que siempre odió a "Run For Your Life" e incluso llegó a catalogarla como la "canción de los Beatles que menos me gusta".
En 1980, y tras ser consultado por la revista Playboy por esta canción, Lennon mencionó sin pelos en la lengua :"Esta canción nunca me gustó. Porque nunca le tuve gran estima. Pero hay que decir que siempre fue una de las favoritas de George (Harrison)".

Para la fanaticada, esta canción demuestra en su totalidad el cambio musical que traán los Beatles. esos mismos que años antes cantaban al amor, con letras simples sobre amar eternamente a esa chica de sus sueños o que le decían a sus amigos que no deje a su chica ya que ella lo amaba de verdad. Ahora aparecía una canción celosa, rabiosa, con aires oscuros y con un punto casi fijo en la locura de tenerlo todo bajo control pase lo que pase. Pero así era Lennon, el complejo y genial Lennon...
Queeeee la dis.....!!!


miércoles, 7 de marzo de 2012

THE WANDERER / DION



"The Wanderer" es una canción del cantante y músico estadounidense Dion, que fue lanzada como single en Noviembre del año 1961 obteniendo excelente resultados de ventas y popularidad.
Perteneciente a una familia ítalo-americana oriunda de Bronx (Nueva York), este personaje empezó a destacar en el canto a muy temprana edad, en especial cuando deleitaba a su gente en las fiestas familiares. Pero en 1954, y con 15 años de edad, Dion Francis DiMucci hizo su primera aparición en la televisión, cuando tras ir a un casting en Filadelfia qiedó seleccionado para cantar en un programa juvenil llamado Teen club. En esas sesiones, Dion empieza a ser acompañado por una banda de apoyo, que fue bautizada como The Timberlanes e incluso graban un disco que pasó sn pena ni gloria por las disqueras.
Pero la fama vino recién en el año 1957, cuando decide armar una nueva banda junto a sus amigos y vecinos, e inspirados en el nombre de una calle donde siempre se juntaban a charlar y a pasar un buen rato decidieron aplanar carreteras como The Belmonts. Con esa agrupación, Dion saltó a la fama de manera oficial, y dejaron varios clásicos para el Pop de los 50's.

Tras arrasar en los charts con su banda, Dion estaba listo para empezar a grabar el siguiente disco. Pero en esos días aparecería un nuevo manager, de nombre Sal Bonefetti, quien llegaba con un misión muy especial: Empezar la carrera solista de Dion.
Fue tanta la insistencia del manager hacía el cantante, que finalmente lo terminó convenciendo en abandonar la banda y emprender vuelo en solitario con el fin de dejar de lado su papel de ídolo adolescente y ahora atacar el mercado del Pop con todo y bajo una nueva y madura propuesta musical.

Una vez que Dion sale de la banda, su manager le hace el contacto con el compositor Ernie Maresca, quien le cedería dos temazos: "Runaround Sue" (que a la postre sería su primer éxito mundial) y "The Wanderer". Esta última pieza llamaba mucho la atención por mostrar una faceta mas rockera, ya que contiene una base blusera de 12 compases y relata con precaución la historia de un hombre trotamundo y sus relaciones amorosas.
En 1976, en una entrevista con la Rolling Stone, Dion comentaría sobre la temática de esta pieza musical: "Simplemente es sobre esos monentos donde le dices a las chicas:" Manténganse alejadas de ese tipo" y ella simplemente suspiran y respondes:. "¿Qué hombre?". Las chicas aman a los rebeldes ".

La historia cuenta que la letra de la canción estaba inspirada en una historia (mas bien copucha) que había escuchado Dion en voz de uno de sus mejores amigos. Este le contó sobre un marinero mercante, de nombre Jackie Burns, que tenía tatuado el nombre de sus tres novias. Una tal "Flo" en el brazo izquierdo, "Mary" en el derecho y en su pecho tenía el nombre de "Rose ", que por alguna razón quizo tapar con un dibujo de un buque que simplemente le ocasionó un fallo artistico de alto calibre. "Cada vez que salía con una chica, se hacía nuevo tatuaje. Así que el tipo era digno de una canción! " declararía el cantante.

Pero en el 2008, Dion fue mas reflexivo sobre la parte musical de la canción y declaró a la revista Mojo que " "The Wanderer" es la versión blanca de 'I'm A Man'. Desde que la escuché, le dije a los productores que quería sonar como Bo Diddley. Asi que logré captar esa energía, pese a que la letra de mi canción es bastante triste, en cuanto al contenido".
Pero no sólo de Bo Diddley tomó ideas Dion y Maresca, otra canción que inspiró la parte musical fue " Kansas City ", una pieza que fue popularizada por el blusero Wilbert Harrison.

En Noviembre de 1961, y con el apoyo vocal del grupo The Del-Satins (que no fueron acreditados por alguna razón extraña), salió a la venta "The Wanderer".
Un mes después la canción llegaba a la casilla # 2. Mientras tanto que en el Reino Unido logró entrar en el puesto # 10 y además fue un hit en Australia, donde llegó a la cima de los charts.
Una canción memorable, pieza clásica para la década de los 50's y para el nacimiento del rock de verdad. Una joya...
Que la disfruten!

domingo, 4 de marzo de 2012

SEXUAL HEALING / MARVIN GAYE



"Sexual Healing" es una canción del cantante y músico estadounidense Marvin Gaye, que fue lanzada como single el 30 de Septiembre del año 1982 y que está incluída en el disco Midnight Love, el último trabajo discográfico que publicó el músico en vida.
Hablar de Marvin Gaye es hablar de un compositor de alta calidad, que comenzó de manera muy tímida en la Motown, y que terminó siendo su Rey Midas. Dueño de una catálogo musical magnifico e histórico y mezclado con su alta calidad vocal, que lo hacía sobresalir del resto de los cantantes de esa firma especializada en musica negra, Gaye entró en el grupo de los afroamericanos que hicieron pedazos la barrera de los prejuicios y se ganaron el respeto de todos en un mundo imperfecto.

Pero antes de empezar a relatar la historia de esta gran canción, tenemos que tomar nuestros equipajes para viajar en el tiempo, específicamente al año 1981. En esos días Gaye no la estaba pasando muy bien. Estaba amenazado por no pago de impuestos (lo tenían amarrado por 4 millones de dolares) y se sentía poco respetado en su tierra local pese a que antes, cuando la fama era su manto, todos se tiraban a abrazarlo y a felicitarlo por su buen trabajo. Además estaba muy dolido tras la separación con su segunda esposa, Janis, lo cuál también trajo problemas para poder visitar y compartir con sus hijos Marvin III, Nona y Frankie.
En cuanto a lo musical, sus trabajos discográficos, de tono conceptual, no habían enganchado en un publico que estaba asombrado por el Punk y el origen del New Wave. Por ello,los malos resultados que obtuvo el disco In Our Lifetime, hicieron que Gaye y la Motown quebraran su acuerdo por hacer de manera inmediata el lanzamiento de un disco que aún le faltaba afinar detalles. Finalmente el cantante terminaría firmando por CBS Columbia.
En fin, todos esos problemas personales y profesionales dejaron al músico en un estado de profunda depresión, donde además volvía a aparecer en la mesa las drogas y el alcohol.

Por ello, y con el objetivo de desintoxicar el cuerpo y el alma, Gaye viajó a Ostende, una ciudad turística ubicada en la costa de Bélgica. Ese lugar era el paraíso perfecto para olvidar los malos momentos y renacer de las cenizas.
Fue en esas tierras donde el músico preparó su nuevo album musical, escribendo canciones y experimentando nuevos sonidos. Además, con motivo de volver a la fama, decidió reclutar a David Ritz, un escritor especializado en investigar las historias de los próceres del Pop y del Soul, para que empezaran a trabajar en entrevistas y recopilaciones y así hacer una biografia oficial del cantante.
Ritz no lo pensó dos veces, y tomó sus pilchas para viajar a esa zona de Bélgica y encontrarse cara a cara con el emblemático músico. Asi fue como empezó el proyecto del libro biográfico mientras Gaye preparaba el disco que tenía como objetivo fundamental volver a la escena musical con todo.

Si hubo algo que impresionó a Ritz, sobre la vida privada de Gaye en esos días, era la gran colección de revistas pornográficas que el músico tenía guardadas en varias cajas. La primera impresión que daba esa imagen, era que estaba frente a un (super) adicto a la pornografia, pero con el paso del tiempo se dió cuenta que esas revistas tenían otra misión.
Fue en esos días, mientras el escritor entrevistaba a Gaye, en que apareció a la palestra la llamativa colección de revistas con chicas sin ropa. En lena conversación Ritz, en tono de broma y seriedad, le dijo "parece que necesitas una curación sexual" y Gaye le respondió que esas revistas tenían una participación esencial a la hora de escribir canciones de amor. De hecho, tras escuchar la frase "Sexual Healing", Marvin empezó a recitar y a escribir las frases mas llamativas y "cachondas" que aparecían en esas revistas "porno". Ritz simplemente miraba con asombro, hasta que empezó a aportar frases con el fin de ayudarlo en una nueva canción.

De esa manera, Gaye llegó a una llamativa canción con aroma sexual. Para empezar a ensayar la melodía, Marvin se contató con Odell Brown, quien era el tecladista de su banda de apoyo y además lo ayudaba a la hora d elos arreglos musicales. Junto a él empezó a grabar un puñado de canciones nuevas, donde la que más destacaba era "Sexual Healing", la cual en esos días aun no contaba con una letra definitiva y simplemente viajaba en la improvisación.
En los primeros días de 1982, Gaye grabó la canción en un estudio que su nuevo sello tenía arrendado en Ohain, Bélgica.

En esas sesiones, Marvin llevó al estudio a su viejo amigo y mentor Harvey Fuqua, que fue el encargado de los sensuales susurros al inicio de la pieza. Además, Fuqua tuvo una activa participación en los coros y en uno que otro arreglo a al melodía en las horas previas a grabarla.
Musicalmente la canción tenía una fuerte influencia proveniente del reggae, musica que en ese entonces tenía maravillado a Gaye. De hecho él mismo fue el encargado de programar la batería, incluír varios instrumentos de percusión caribeños, tocar el sintetizador y de intentar de buena manera mezclar los acordes jamaiquinos con un toque de Funk y música religiosa. Esa experimentación musical saca apalusos por sí sola.
Una vez que la grabaron, Marvin Gaye no tuvo reparos en decir que esta sería un gran éxito, y fue con la cinta para convencer a sus nuevos jefes, los gerentes de Columbia Records. Uno de esos peces gordos, de nombre Larkin Arnold, también dijo, al escucharla atentamente, que la canción sería un éxito total y por esto tenía que ser single.

A finales de Septiembre de 1982 "Sexual Healing" fue lanzada como single. El 13 de Nociembre ya estaba en la tercera posición del Billboard Hot 100 luchando codo a codo con "The Girl Is Mine", la canción de Michael Jackson junto a Paul McCartney.
La canción estaba acreditada a Marvin y a Odell Brown, lo cuál provocó la ira de Ritz, quien también puso aportes den la parte lírica durante su estancia en Bélgica. Esto hizo que la amistad del escritor y el músico se fuera al carajo, y empezara una aventura de demandas por derecho de autor y regalías.
De hecho, Ritz tenía una columna en la revista Rolling Stone, y fue en esas páginas donde publicó las frases que había cedido a Gaye en la previa de la creación de la canción. Además se paseó por varios medios de comunicación con las grabaciones donde hablaban de las revistas pornográficas y se tiraban frases para escribir un poema inspirados en esas mujeres sin ropa.

Mientras en los tribunales se seguía el caso, la canción llegaba a ganar un Grammy como Mejor Performance R & B masculina. Al igual que la versión instrumental., cara B del single, que se hizo del premio Grammy al Mejor instrumental de R & B. Además, la canción lograba ser un hit en el Reino Unido, Canadá y Nueva Zelanda. Y la demanda seguía su juego...
Lamentablemente, la gira de promoción de ese exitoso disco Midnight Love, tuvo un repentino final. La nueva recaída de Marvin a la cocaina y la marihuana provocó cancelar varios shows, ya que el artista estaba mentalmente inestable. Por decisión de su sello, Marvin tuvo que volver a la casa de sus padres, para encontrar nuevas energias y vovler a los escenairos con todo, pero esa decisión fue fatal. El día antes de su cumpleaños número 45, el cantante fue encontrado muerto tras ser asesinado a quemarropa por su propio padre, un veterano pastor evalgelico, luego de una discusión familiar. El padre declaró haber disparado en defensa propia, mientras el mundo del Soul perdía a su Príncipe.
Meses después de la muerte del músico, Ritz ganó la demanda por los derechos de autor y tuvo que ser incluído sí o sí en los créditos de "Sexual Healing".

Que la disfruten!

sábado, 3 de marzo de 2012

THE LETTER / THE BOX TOPS



"The Letter" es una canción de la banda estadounidense The Box Tops, que fue publicada como single en Agosto del año 1967.
Oriundos de Memphis, Tennessee, esta banda de Pop & Soul originalmente estaba formada por Alex Chilton (voz solista y guitarra), Bill Cunningham (bajo, teclados y coros), John Evans (guitarra, teclados y coros), Danny Smythe (batería) y Gary Talley (guitarra y coros).
Pese a que su carrera musical fue corta, la banda se ganó un espacio importante dentro del Pop sesentero por un puñado de singles que llamaron la atención de los medios y para quedar como figuras de culto para la historia del Rock.

La historia de esta canción empieza en un estudio de grabación de Memphis, donde los recién contratados The Box Tops empezaban a buscar un repertorio sólido para sus primeras actuaciones y grabaciones promocionales. El encargado de la producción en esas sesiones fue Dan Penn, que además tenía una aclamada experiencia musical tras trabajar con el experimentado productor y compositor "Chips" Moman. Por ello, y tras la aprobación de Moman, Penn decidió brindarle todo su apoyo a la banda con el fin de catapultarlos a la fama en el mundo del rock. Pero eso no era todo, ya que el exitoso productor le cedió a la banda una cinta que contenía varios "demos" hechos por su amigo, y compositor, Wayne Carson Thompson, donde aparecía la llamativa y popera "The Letter", que había sido escrita en tan sólo un par de horas y tras escuchar a su padre decir: "Give me a ticket for an aeroplane" . De esa manera, Thompson escribe un relato de un jóven que recibe una carta de un anitguo amor donde le mencionaba todo los momentos gratos que habían pasado juntos. Tras enterarse de esa buena nueva y saltar de felicidad, el jóven lo único que quiere es pescar sus maletas, sacar los boletos e ir al lado de esa mujer.

En esa cinta, "The Letter" estaba interpretada por Thompson simplemente de manera acústica y parte de la letras simplemente estaba narrada ya que no le gustaba cantar, por temor a hacerlo mal. Una vez que la banda aceptó grabar esa canción, Penn les dió un consejo para que la canción sea su primer super-hit: "Tenemos que recoger todo lo que trae la cinta, pero tomaremos ciertas precauciones en la letra".
De esa manera la banda se puso manos a la obra para grabar "The Letter" bajo la atenta mirada de Penn. El primero en caer en sus garras fue el vocalista Alex Chilton, que por ese entonces tan solo tenía 16 años de edad, y que tuvo que hacer ciertos ejercicios de respiración antes de cada sesión ya que la canción requería sí o sí ser grabada en un tono muy alto, y eso podía traer consecuencias en sus cuerdas vocales. El resto de la banda tuvo que ceder ante los retos y frases de alto calibre en boca del productor, a la hora de grabar la parte instrumental. La grabación poco a poco iba tomando un rumbo extraño pero con aroma a triunfo seguro.

Pero Penn también quería innovar, y para ello se metió de lleno en una sala contigua al estudio de grabación, y empezó a buscar discos que trajeran efectos sonoros, en especial uno que tuviera un sonido de un avión despegand, lo cuál iba a tono con la canción y su temática. Para esto, y una vez que encontró esa cinta, Penn pescó una hoja de afeitar y empezó a cortar la cinta para incluírla dentro de la melodía y sonara en su punto justo.
Si bien la idea era muy llamativa, para el autor de la "rola" simplemente era una locura. Es que Thompson, que además participó en la grabación de la canción tocando guitarras, nunca estuvo de acuerdo con la idea de colocar el sonido de un avión, y lo encontraba "fuera de tono".
Lo que sí fue del gusto del autor de "Always on My Mind" fueron los oscuros arreglos de cuerdas y vientos, que estuvieron en manos de Mike Leach y que llamaron mucho la atención de la crítica.

Tras ser publicada en Agosto de 1967, la canción empezó a escalar poco a poco en los charts estadounidenses, hasta que un 23 de Septiembre la noticia dió la vuelta al mundo: "The Letter" lideraba el Billboard Hot 100, y así se mantendría durante 4 semanas. En el reino Unido la canción tabién fue un éxito, llegando al puesto #5 de los charts.
Pero la canción dió la vuelta al mundo, y día a día la banda se enteraba desu fama por Australia (donde estuvo en la casilla # 4 durante seis semanas), Austria (# 9), Bélgica (región flamenca) (# 2), Dinamarca (# 7), Francia (# 2), entre otros paises que se rindieron ante esta pieza que no alcanza a durar los 2 minutos.
Que la disfruuuu !!!

viernes, 2 de marzo de 2012

EVERY LITTLE THING / THE BEATLES



"Every Little Thing" es una canción de la banda británica The Beatles, que está incluída en su cuarto trabajo musical, el aclamado "Beatles for Sale", que fue publicado el 4 de Diciembre de 1964.
A pesar del poco tiempo que tuvieron para grabar, debido a las famosas y salvajes giras por Estados Unidos, la banda de Liverpool dejó muy en claro que su talento musical no tenía límites pese a que sólo llegaron a grabar ocho temas originales pero de gran factura, y por la mencionada falta de tiempo tuvieron que completar el LP con seis versiones de sus temas favoritos que interpretaban en directo. Eso hizo que el disco sea considerado de mala manera por algunos especialistas como "flojo" y "de relleno".

Una de las canciones que compone el segmento Lennon-McCartney del disco es "Every Little Thing", que fue escrita en un alto porcentaje por el bajista de la banda.
La historia cuenta que esta canción fue escrita en Agosto de 1964 en Atlantic City, Estados Unidos, y en pleno auge de la Beatlemania donde los gritos tapaban la furias de las guitarras y los tambores.
McCartney empezó a trabajar esta canción con el fin de que sea sí o sí un sungle del disco "A Hard Day's Night", cosa que finalmente no logró e incluso fue desechada del tracklist de ese LP.
""Every Little Thing" fue un intento de canción para lanzar como single. Recuerdo que nos reunimos con Brian (Epstein) en un camarín de algun escenario y empezamos a discutir y a escuchar atentamente las nuevas canciones que estaban a medio hacer. Convencer a Brian era muy difícil, de hecho recuerdo que le presente dos canciones, y la única que tuvo su visto bueno fue esta pieza. De hecho, recuerdo que dijo que era muy pegadiza. Lamentablemente el álbum terminó con mucho relleno y no fue el gran "Todopoderoso" que esperaba la prensa" comentaría Paul años después en relación al contexto del génesis esta pieza musical.
La temática de esta canción era simplemente el poder del amor, y del estar enamorado. Quizás Paul le escribió o le dedicó esta pieza a su novia de ese entonces: Jane Asher, ya que el narrador nos cuenta lo maravilloso que es estar con una chica que lo tiene todo y le dá todo.

El 29 de Septiembre de 1964 Los Beatles empezaron a grabar "Every Little Thing" en el estudio 3 de Abbey Road. En esa ocasión, donde Paul tocó el bajo y aparte cantó, John fue el encargado de la primera guitarra, siendo el dueño de los riffs. Mientras tanto George, quien era el encargado de la "pega" de los solos" simplemente se limitó a tocar la guitarra acústica y un inspirado Ringo tocó los timbales. En esa ocasión grabaron 4 tomas, dejando la última como la base musical que andaban buscando.
Al día siguiente la banda volvió a trabajar esta canción, grabado cinco nuevas tomas. Uno de los que estuvo en esas sesiones fue Mark Lewisohn, el historiador oficial de la banda. En su libro The Complete Beatles Recording Sessions relata su experiencia en ese estudio aquél día: "La segunda sesión resultó muy divertida. Tuvo que interrumpirse una toma porque McCartney eructó; la toma siguiente, aunque pudo completarse, terminó con grandes risas. Además, Ringo se divertía con los timbales, que fueron la atracción y el jueguete nuevo de esas sesiones. Fue en la última toma en que Paul decidió agregar una parte de piano".

Sobre la participación de Lennon como guitarra solista, basta recordar que en esos días el músico andaba con muchas ideas en la cabeza para demostrar que también era bueno usando la llamativa Rickenbacker de 12 cuerdas, que era de propiedad de Harrison. Pero aún está en duda si en la versión del disco el que hace esos solos es Lennon o simplemente se rindió y le dió la oportunidad a Harrison. Por eso si buscan en la literatura Beatle encontraran ciertas dudas sobre el guitarrista líder en esta rola.

El resultado final fue una canción que contenía ciertos acordes ligados al folk junto a una melodía descendente y dramática, amplificada por ese toque de piano.
"Every Little Thing" suena ligera pero también trae ciertos detalles interesantes, como el uso de los timbales en manos de Ringo, el cuál hasta ese entonces nunca había sido utilizado en una grabación sesentera de Rock and roll.
Que la disfruuten!