lunes, 31 de enero de 2011

BARK AT THE MOON / OZZY OSBOURNE


OZZY OSBOURNE - BARK AT THE MOON
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"Bark at the Moon" es una canción del músico y compositor británico Ozzy Osbourne, que fue lanzada como single en Noviembre del año 1983 y que le dió nombre a su cuarto disco en solitario, luego de su mítico paso por la banda Black Sabbath.
Ozzy es todo un personaje y a la vez, un emblema del Metal, a pesar que muchas veces se le valora más por sus "locuras" a causa de los excesos que por su talento musical, en donde marcó tendencia dentro del Rock y del cuál muchos músicos le deben más que "una manito".

La historia cuenta que la vida de Ozzy dió una nueva vuelta cuando, en marzo de 1982, su amigo y guitarrista Randy Rhoads perdió la vida a causa de un accidente aéreo mientras el resto de la banda se encontraba en Florida esperando por un concierto. Este trágico suceso marcó a Ozzy, quien entró en una profunda depresión volviendo a recaer en las drogas y el alcohol.
Fue tanta la pena de Ozzy, que ni siquiera le hacpia caso a su mujer, Sharon, quien quería a toda costa que se internara en la Betty Ford Clinic para desintoxicar ese cuerpo y luego volver en gloria y majestad a las pistas.

Meses despues, y tras varias recaídas, Ozzy decidió parar con sus locuras y estar sobrio para volver a trabajar en un nuevo disco.
Lo primero que hizo fue rearmar su banda y buscar un suplente para Rhoads, y eso si que sería una tarea díficil. Finalmente el elegido fue Jake E. Lee,un guitarrista fanático de Hendrix y que traía un curriculum interesante tras tocar en bandas como Ratt y Rough Cutt.
Luego de tener un nuevo guitarrista ya contratado Osbourne se contactó con el baterista Tommy Aldridge y con el tecladista Don Airey, este ultimo formó arte de la gran banda Rainbow en los 70's.

Ya en el estudio de grabación, ubicados en Nueva York, Jake E. Lee y el bajista Bob Daisley empezaron a trabajar en las nuevas canciones. Entre esos ensayos y experimentos, ambos músicos dieron con una buena melodía, la cuál de inmediato fue a parar a los oídos de Ozzy, el jefe de la banda.
El "Madman" quedó muy a gusto con ese riff de guitarra y decidió empezar a escribir una letra. Las ideas de inmediato empezaron a fluír...

Inspirados en una broma interna, que trataba sobre alguien que le ladraba a la luna, Ozzy, Lee y Daisley idearon una letra que relataba sobre una bestia que, luego de estar varios años bajo tierra, resucitó para causar muchos daños a los habitantes de un ciudad.
Sin embargo, en el videclip grabado en el Sanatorio de Holloway en Londres, se dá a entender que la canción trata de un científico (interpretado magistralmente por Osbourne) que accidentalmente tras una falla en uno de sus experimentos se convierte en una horrible bestia que luego es asesinado para que termine resucitando nuevamente como un hombre, pero un hombre libre...

Musicalmente la canción tambien es llamativa, especialmente en el trabajo de Jake E.Lee que es totalmente distinto a la potencia de Randy Rhoads. Eso sacó aplausos entre la prensa especializada ya que Ozzy no buscó un imitador que ocupara ese puesto sino que fue mas allá, con sus ganas de experimentar en cada disco.

"Bark at the Moon" llegó al puesto #21 del UK Singles charts y quedó ara siempre como un clásico del Heavy metal demostrando que Ozzy resucitaba cada vez que lo daban por muerto o pérdido y que el talento aún estaba en su punto máximo, mientras no cayera en los excesos....
Un clásico de clásicos, una pieza para agitar las melenas hasta el suelo de tanta potencia en cada acorde...
Que la disfruten!!

domingo, 30 de enero de 2011

I'M YOUR BOOGIE MAN / KC & THE SUNSHINE BAND



"I'm Your Boogie Man" es una canción de la banda estadounidense KC and the Sunshine Band, que fue lanzada como single un 24 de Enero del año 1977 promocionando su cuarto trabajo musical titulado "Part 3" (lanzado en Octubre de 1976).
Su llamativa propuesta en escena y la mezcla de estilos, donde se paseaban por el Funk, R&B, la música Disco, el Pop-Rock y el dance hicieron de KC & The Sunshine Band una agrupación histórica dentro de la década de los 70's con canciones que marcaron un época y que hicieron bailar a muchas generaciones que hasta el día de hoy les rinden uno que otro tributo.

Era 1976, y la banda gozaba de gran popularidad gracias a la ventas de su disco homónimo, que marcó varios records y dejó a KC & The Sunshine Band a la cabeza de los charts por todo el mundo.
Por esos días la canción que sonaba en todas las radios y se convertía en el hit del momento era "Get Down Tonight", una canción que marcó en la historia de esta gran banda yq ue tuvo gran difusión gracias a un Dj, de una radio de Miami, llamado Robert W. Walker, quien se atrevió a colocar este single en la programación de su radio y de ahí en adelante no paró de sonar de tantos pedidos, siendo el promotor de la banda (si que él se lo propusiera). De agradecimiento por ese gesto, el bajista y productor Richard Finch y el cantante Harry Wayne Casey (alias "KC") decidieron dedicarle una canción a ese Dj que los catapultó a la fama mundial. Para ello, decidieron utilizar el término "Boogie Man", que era usado para motivar la sensación de baile, de movimiento corporal y de pasarla bien en las pistas. "El Boogie Man era el que reunía todo el poder del funk, el sentirse bien y el que le daba buenas vibras a la gente desde las mañanas" afirmó Finch sobre ese Dj en una entrevista años atrás.

Desde que la canción vió la luz pública un grupo de connotados DJ's que trabajaban en importantes radios de Estados Unidos empezaron a dudar sobre el contenido de "I'm Your Boogie Man". Según ellos, el término "Boogie Man" era una ofensa a los hombres negros ya que era usada como un insulto en los barrios marginales, por lo tanto esta canción de KC & The Sunshine Band fomentaba el racismo y eso la hacía dañina para la ciudad.
Esa polémica, causada sólo por una confusión de términos, hizo que el single no fuera tocado en varios medios de comunicación. Fue tanta la rebeldía de esos DJ's, que en Nueva York un señor llamado Frankie Crocker, que trabajaba en la estación WBLS , canceló una entrevista que tenía contactada con la banda al enterarse de que eran blancos y que insultaban a los afroamericanos. Al parecer Crocker no estaba muy informado y andaba mas perdido que Chuck Norris en la "casa en la pradera" (?), ya que los únicos blancos de la banda eran Casey y Finch el resto puros músicos de raza negra.
Cuando los medios más serios se dieorn cuenta de toda esa "payasada", decidieron promocionar "I'm Your Boogie Man" como una canción bailable y sin ninguna referencia a los conflictos raciales que aún tenían con fiebre a muchos resentidos y a gente que sólo quería su minutos de fama con tontas polémicas.

La canción alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 en 1977 y a la casilla #41 del UK Sigles charts. De ahí en adelante la canción pasó a ser parte del soundtrack de muchas películas y a ser tocada en muchas fiestas hasta el día de hoy, donde ocupa un lugar muy especial para recordar los buenos momentos de la música Disco.
Ojo con la versión de los White Zombie!!! Que la disfruten!!

sábado, 29 de enero de 2011

BONUS TRACK: EL HISTORICO CONCIERTO EN LA AZOTEA


Un 30 de enero del año 1969 Mal y Neil montaron los instrumentos, como antaño, y los Beatles, con Billy Preston, se instalaron en la azotea de su sede de Savile Row. El tráfico de paralizó, ya que la multitud de gente aprovechó la hora del almuerzo para reunirse en la acera frente al edificio, y todas las ventanas y azoteas cercanas se llenaron rápidamente con oficinistas del West End, que tuvieron una vista privilegiada del ultimo concierto de The Beatles.
La policia trató de pararlo, pero los guardias de seguridad de la puerta de APPLE, de un lado, y del otro lograro hacer resistencia mientras los policias empezaban a tirar del enchufe en un acontecimiento tan extraordinario donde la banda tocó por cuarenta y dos minutos. Empezaron con un ensayo de "Get Back", "Don't Let me Down", "I've Got a Feeling", "One After 909", "Dig A Pony" (donde un ayudante tuvo que arrodillarse frente a John con la letra apoyada en una carpeta), "God Save The Queen" y luego repitieron "Get Back", "Don't Let me Down" y "I've Got a Feeling".

La ultima versión de "Get Back" fue interrumpida por la policía y paul improvisó lo siguente: "Hemos estado tocando por las azoteas otra vez y ya sabemos que su mamá no le gusta. ¡Ella hará que nos detengan!". Al final de la canción, Maureen Starkey estalló en grandes aplausos y gritos, haciendo que Paul volviera al micrófono y se lo agradeciera: "¡Gracias Mo!". Mientras tanto John puso fin a la actuación, y a la carrera en directo de The Beatles, con : "Quiero dar las gracias en nombre propio y del grupo, espero que hayamos pasado la prueba". El resto sólo fue aplausos...



Fuente: Miles, Barry (2002). The Beatles, A diary. Londres:Omnibus Press.

DIAMONDS & RUST / JOAN BAEZ



"Diamonds & Rust " es una canción escrita e interpretada por la cantante estadounidense Joan Baez que fue publicada como single en Julio de 1975 promocionando el disco que llevaba el título de esta llamativa canción.
Baez se caracteriza por ser una cantante comprometica con la actividad social, luchadora por la defensa de los derechos humanos donde su mejor arma protesta eran sus canciones interpretadas con una voz angelical, casi de soprano y que la llevó a ser considerada en los 60's como "La Reina de la canción de protesta".

Era noviembre de 1974, y desde las oficinas de su casa discográfica le avisaron a Joan Baez que tenía que lanzar si o sí el proximo año un single que llegara a los primeros lugares de los charts estadounidenses, sino el contrato se iba "a las pailas".
Joan estaba entre la espada y la pared, debido a que sus singles ya no sonaban como antes y la canción de protesta estaba muy censurada y perseguida en esos paisesm que por esos años, pasaban en dictaduras con militares dandóselas de profetas sociales y heroes anti-marxistas.
Mas encima, en Julio de 1974 lanzó al mercado un disco titulado "Gracias a la Vida" (tambien conocido como "Joan Baez canta en español"), en donde rinde un homenaje musical a todo el pueblo chileno que por esos días sufría con la sangrienta Dictadura de Augusto Pinochet. Obviamente el disco fue censurado en ciertos paises y escondido de las disqueras porque era material con olor a marxismo. Eso provocó una crisis con su sello discográfico.

Peo no quedaba de otra, asi que Joan pescó su cuaderno y se puso a escribir todos los versos que le parecieran interesantes para fabricar un hit.
El resultado no fue una canción de protesta, ni un himno pacifista sino que algo muy emotivo, marcado por los recuerdos de su vida musical.
Su nueva canción habla sobre una sorprendente llamada telefonica que recibe de un ex-novio, que la hace retroceder en el tiempo y recordar esos dulces momentos de juventud. En ella deja en claro que la vida sin querer dá sorpresas, y que los recuerdos simepre estan presentes aunque uno dice dejarlos en un baúl dentro de la memoria. Esos recuerdos buenos y tambien los malos, forman la vida y esto Joan Baez lo resume metafóricamente como "Diamonds and Rust".

En Enero de 1975, Baez grabó y arregló esta canción. En esas sesiones Baez se hizo a cargo de los sintetizadores Moog logrando crear un efecto parecido al sonido de las arpas.
Hasta ahí, la canción sólo quedaba como una sensible y bella balada, interpretada majestuosamente por Baez, y que pintaba para ser un hit de aquellos...
Pero la prensa no se hizo esperar, y desde que empezó a sonar la canción en las radios se dieron el lujo de mencionar que en "Diamond & Rust" tenía un guiño a Dylan. En otras palabras, se decía que el amante que llama por telefono a Baez en la canción, es realmente Bob Dylan, que fue pareja de Joan entre 1963 y 1965.

Baez conoció a Dylan a iicios de los años 60's y quedó muy impactada por la obra musical y el talento en la prosa de este humilde joven que iba en busca de fama a Nueva York. Ambos compartían los mismo ideales de lucha social, asistían a campañas de beneficencia, componían canciones de protesta y compartían escenario por todo Estados Unidos. Todos esos detalles llevaron a que Dylan y Baez empezaran su comentado romancem hasta que en 1965 el cantante se aburrió de tanto folk y decidió ir en nuevos rumbos musicales. Fue en esos días cuando su relación sentimental se fue a pique y además todo se puso más oscuro cuando Dylan conoce a Sara Lownds, mujer con quien llegó al altar. Mientras tanto, en Marzo de 1968 Joan se casaba con con el líder pacifista David Harris y con eso se acababa todo... Por ahora.

Pero con "Diamonds & Rust" volvió a la mesa su comentado romance con Dylan, más encima ya habían anunciado una nueva gira juntos por Estados Unidos y desde el año 1973 que estaba soltera, luego del divorcio con Harris. Eso ya hacía aumentar el rumor.
Por su parte, Joan Baez no se refería al tema y cada vez que le preguntaban sobre eso ella gambeteaba al periodista. El ejemplo mas claro fue en su autobiografía llamada 'And a Voice to Sing With', en donde a cantante menciona que la canción fue escrita pensando en aquellos días en que su ex, David Harris, había pasado unos meses preso tras rechazar hacer el servicio militar e intentar escapar.
Obviamente esa declaración más que apagar el fuego lo hizo arder con mas ganas, asi que meses despues de publicar ese libro, Joan hizo oficial ese rumor: La canción fue escrita en honor a Dylan, luego de que este la llamara para saber de su vida.

Con esto quedaba mas que claro que Joan Baez le cantaba a su ex-novio, recordando con cariño los gratos omentos de esa relación amorosa a inicios de los 60's.
"Diamonds and Rust" fue la segunda pieza musical de Baez en entrar al Top 40 del Billboard, y además fue su mayor éxito como compositora.
Esos pergaminos, más la historia que hay detrás de esta pieza, hacen que "Diamonds & Rust" se convierta en una de las canciones mas apludidas de esta cantante que marcó la historia del folk y la canción protesta en los estados Unidos.
Que la disfruuuten!!

viernes, 28 de enero de 2011

I FOUND OUT / JOHN LENNON



"I Found Out" es una canción del músico británico John Lennon, que aparece incluída en su aclamado cuarto LP titulado John Lennon/Plastic Ono Band que vió la luz pública en Dicembre d 1970, luego de la sorprendente separación de The Beatles.
Tras publicar tres albumes experimentales, Lennon decidió entregarle a su público un disco para disfrutar, con canciones emotivas, raras, furiosas y protestantes bajo una producción de gran calidad y muy refinada por la mano de Phil Spector y del ex-Beatle.
John Lennon/Plastic Ono Band quedó como un album histórico y fue el primer grito de libertad musical de John ,para decir que despues de Los Beatles venía lo mejor.

1970 marcó el fin de The Beatles y con ello el fin de una tormenta donde Paul, Ringo, George y John eran los más desgastados. Musicalmente estaban impecables, pero en lo económico y en lo que se refiere a relaciones personales iban de mal en peor.
De todos, el que mas sufrió con todo esto fue John, que había dejado el timón de la banda para estar en una rara nube con Yoko Ono. Por ello, influenciado por esta artista conceptual, John decide entrar, por cuatro meses a una clínica de Los Angeles, a una terapia primal bajo la supervisión del famoso psicoterapeuta norteamericano Arthur Janov .
En estas sesiones se forzó a Lennon a enfrentar sus traumas infantiles y botarlos en sus escritos, o sea dejar toda esa rabia, esos miedos y esos malos recuerdos en sus composiciones.
El resultado de esta terapia quedó reflejado en las canciones que componen este disco, donde Lennon no deja nada de lado y se sumerge en un análisis biográfico para sacar todo lo que lo hacía sufrir.

Una de esas canciones fue "I Found Out" donde Lennon manifiesta su odio y rechazo a esos falsos movimientos pacifistas que dominaban el mundo. Tambien le tira "un palo" a las religiones que dividen al mundo y de paso deja en claro que el mundo vive de muchas fantasías. Entre esas falsedades mete a The Beatles, con el fín de señalarle a los fanáticos que ellos no eran nada en especial, sólo una banda de rock que quería divertirse en los escenarios y no un agente social que cambió el mundo. De hecho pone en jaque las ideas de Harrison, el Beatle que más se acercó a las creencias Orientales, señalando que los mantras sólo son "castillos en el aire" y no ayudan en nada a la paz mundial. Pobre George....

Pero la rabía y la protesta de John no se queda ahí, tambien le da duro a los Hippies (la frase "The freaks on the phone won't leave me alone, so don't give me that brother, brother" lo dice todo) , y eso lo dejó muy en claro en una entrevista Lennon con la revista Rolling Stone por esos días. En esa entrevista Lennon dice:"Estoy harto de todos estos hippies agresivos o lo que sean, esos que dicen ser " Now Generation ", que siempre se portan distantes conmigo, ya sea en la calle o e cualuqier lugar, pero cuando necesitan algo llaman al teléfono y exigen mi atención, como si les debiera algo".
Queda mas que claro, con todos estos datos, que Lennon usó esta canción como un desahogo en medio de su terapia...

Musicalmente la canción contiene el sonido típico que venía experimentando con la Plastic Ono Band y tiene cierta influencia de esos vejos blues que escuhaba Lennon en su juventud.
Para esta canción contó con la ayuda de su amigo Klaus Voormann en el bajo y de su compañero en The Beatles, Ringo Starr en la batería. Lennon se hizo a cargo de las guitarras y de la voz principal...
Sobre su relación con Ringo Starr, y dadas las críticas que contiene esta canción a The Beatles, Lennon explicó a la Rolling Stone: "A pesar de todas las cosas, los Beatles podián tocar música traquilamente antes de pasar a momentos tensos, y eso a mi me daba igual. Pero Ringo sabe donde ir, lo hace fácil y lo hace bien. Además hemos tocado juntos por mucho tiempo que nos ajustamos bien. Eso es lo único que echo de menos, eso de ser capaz de parpadear o hacer un cierto acorde y empezar a tocar una canción de manera inmediata. Pero no todo estaba perdido".

"I Found Out" es de esas canciones para tener en cuenta y además forma parte de un discazo que vendió muchas copias en el Reino Unidos y Estados Unidos, dejando en claro que había Lennon para rato... Para un buen rato.
Que la disfruten!

jueves, 27 de enero de 2011

BITCH / MEREDITH BROOKS


I'm a Bitch I'm a Lover Meredith Brooks
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"Bitch" es una canción de la cantautora y guitarrista estadounidense Meredith Brooks, que fue lanzada como single el 21 de Julio de 1997 promocionando su disco debut Blurring the Edges, que tuvo éxito en ventas y popularidad.
Despues de varios años intentando mostrar sus canciones y tocando en clubes nocturnos, esta cantante recien en 1997 y con 29 años pudo grabar un disco, y este causó furor en todo el mundo vendiendo tres millones de copias y quedando en el Top 20 del Billboard. Blurring the Edges fue el debut soñado de todo artista pero igual le pasaría la cuenta...

Brooks desde pequeña fue feminista y siempre quizo defender su postura con guitarra en mano. Desde los 13 años decidió probar suerte como compositora y cantante, pero las puertas siempre se le cerraban y las oportnidades eran escasas.
Recien a finales de 1995 logra firmar contrato con Capitols Records y con esto empezar a elegir y escribir canciones para su primer proyecto musical.
Una de esas canciones se titulaba "Bitch", y hablaba sobre las dificultades de ser mujer en un mundo comandados por hombres y todas las etiquetas descriptivas y burlonas que llevan sobre sus hombros altratar de sacar la voz.

En esta canción Brooks dejaba muy en claro su postura feminista y toda las ganas de mostrar su arte sin tanta delicadeza ni mostrando una imagen plástica de niña buena.
Así fue como en un show nocturno uno de sus amigos, que andaba de público, quedó maravillado con esa canción y le pasó dinero para que Brooks la grabara y la incluyera en su primer disco. Finalmente le hizo caso al amigo y la lanzó como su primer single...

De ahí en adelante empezaron los problemas, especialmente por el sorprendente y seco título de la canción (Bitch = Perra, ramera), el cuál molestaba a los empresarios radialesque prefirieron promocionarla en sus programas sólo como "una canción de Meredith Brooks" omitiendo el título para no caer en los insultos de los sectores conservadores.
En otras estaciones de radio la llamaban "Nothing In Between" o simplemente no la tocaban admitiendo que era un peligro para las mentes sanas de la juventud estadounidense.

Pero la gente no era "cartucha" y rápidamente eezaro a comprar el single y el disco de esta cantante oriunda de Oregón. Todos coreaban "Bitch" sin importar su significado, sin depender del manual de las buenas costumbres ni el miedo a la censura. La canción se convertía en un éxito y en un himno para muchas mujeres rebeldes contra el sistema que las quería cuidando niños, regando el jardín o comprando pedidos en un supermercado.

Años despues, Brooks admitió en una entrevista radial que casi deja fuera del disco a "Bitch", debido al excesivo uso de esa palabra, la cuál le podía hasta traer problemas judiciales.
Además mencionó que todo el trabajo de guitarras y efectos de sonidos los hizo por su cuenta en el estudio, con el fín de demostrarle a la gente que ella no era una simple cantante o interprete vocal y que su talento tambien estaba en las cuerdas con grandiosos riffs que dejan los pelos de punta.

"Bitch" llegó al segundo lugar del Billboard Hot 100 y al sexto puesto del UK singles charts. Tambien fue un éxito de ventas en Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Suiza, Suecia, Noruega, Irlanda, Francia y Bélgica.
Como ven, la canción fue un éxito en gran parte del planeta y eso tambien le trajo problemas para promocionar las otras canciones. "Bitch" opacó al resto del disco y tambien a los discos de Brooks, a tal punto de que si no sonaba como esta canción simplemente en la radio no la ponían y la gente no compraba el trabajo.

De ahí en adelante brooks quedó como una cantante encasillada en los Estados Unidos en la categoría "One-Hit Wonder" y siempre estará ligada a esta canción que le dió todo en materia musical: fama, dinero, popularidad, trabajo y recuerdos que jamas olvidará...
Que la disfruten!

miércoles, 26 de enero de 2011

IRIS / THE GOO GOO DOLLS



"Iris" es una canción de la banda estadounidense The Goo Goo Dolls, que fue lanzada como single un 27 de Abril de 1998. Originalmente fue escrita para ser parte del soundtrack del film City of Angels y meses despues apareció incluída en su sexto album Dizzy Up the Girl.
Con un estilo muy marcado por el grunge y el rock alternativo, los Goo Goo Dolls se abrieron camino en la complicada escena musical estadounidense gracias a sus llamativas melodías y letras muy personales. Su punto más alto fue gracias a su sexto trabajo musical, que les trajo buenos dividendos monetarios y fueron condecorados con un triple disco de platino.

El autor de la canción fue el vocalista y guitarrista Johnny Rzeznik que por esos años pasaba por duros momentos causados por el abuso de drogas e ideas y vueltas a clínicas psquiatricas para tratar la depresión que lo tenía muy mal y sin ganas de vivir.
Rzeznik nos habla sobre una persona con una personalidad que nadie entiende y que pasa invisible para la sociedad. A pesar de sertirse distinto, este ser encuentra el amor, el verdadero amor. De ahí en adelante él se da cuenta de que ese verdadero amor existe, y que esa mujer es la única persona en el mundo que puede comprenderlo y amarlo tiernamente.
"Sólo quiero que sepas quién soy", es la frase que lo resume todo y el gancho para entender esta maravillosa canción...

Cuando ya tenía casi lista la música y la letra de la cancón el guitarrista empezó a pensar en un título que sea llamativo o que esté ligado al mensaje. Luego de horas y horas buscando una ídea, Rzeznik pescó una revista y le llamó la atención la primera foto que vió, era la cantautora de música country Iris DeMent. De ese momento decidió titular a su canción como "Iris", nombre que provenía de la mensajera d elos dioses cuya personificación era el arco iris que anunciaba el pacto de los humanos y los dioses y el fin de la tormenta.

Con una brillante base musical con una mezcla perfecta con dulces sonidos de guitarra, mandolinas, violines y violonchelos, "Iris" quedó como una de las canciones mas aplaudidas de esta banda oriunda de Nueva York que llegó al noveno lugar del Billboard Hot 100 y lideró por 18 semanas el Billboard Hot 100 Airplay. En el Reino Unido llegó al puesto #26 de los charts. En Australia, Alemania, Suecia, Canadá y Suizas tamben logró estar en los priemros lugares de los charts, quedando como la canción mas reconocida de esta banda que viene tocando desde 1986.

Les dejamos esta maravillosa canción, que de seguro traerá mas de algun recuerdo para nuestros lectores.
Que la disfruten!

martes, 25 de enero de 2011

TURNING JAPANESE / THE VAPORS



"Turning Japanese" es una canción de la banda británica The Vapors, que fue lanzada como single en Enero del año 1980 promocionando su aplaudido album debut New Clear Days.
Esta canción fue el debut soñado para esta banda oriunda Guildford, que se especializaba en New Wave y Punk Rock. Además, esta melodía les abrió varias oportunidades en los medios de comunicación de Europa y estados Unidos, donde pudieron codearse con varias estrellas del rock de esos tiempos.

The Vapors estaba formado por los señores: David Fenton (voz), Edward Bazalgette (guitarra), Steve Smith (bajo) y Howard Smith (batería). Estos cuatro jovenes empezaron tocando canciones de sus bandas favoritas, como The Jam, Secret Affair y The Jags, en varios locales "under" de la movida britanica. Fue en esos lares, cuando de manera sorprendente fueron reclutados por Bruce Foxton, bajista de The Jam e ídolo de los Vapors.
Foxton fue su manager y los empezó a promocionar dentro de la industria musical hasta que logró conseguirles un contrato con un sello para empezar a grabar su primer trabajo musical.

Finalmente, ese disco se publicó a inicios del año 1980 y tenía en su tracklist una canción que contenía un riff con acordes orientales, con aroma a arroz y con la destreza de Oliver Atton (?). Estamos hablando de "Turning Japanese", una canción que marcó a mucha juventud con su clima energético, plagado de detalles muy ligados al New wave, el género musical que la rompió en toda esa década.

Desde su primer segundo, ya se sabe que "Turning Japanese" iba para ser clásico de la música de los 80's, gracias a su sonido Pop que suena simple pero es muy potente en cada acorde.
Edward Bazalgette decidió qe el intro de la canción tenía que contener un detalle japonés y ese detalle ya marca a la canción. De ahí en adelante la canción pasa a ser una pieza de culto, apta para bailar y disfrutar con los amigos.

Pero lo mas llamativo de "Turning Japanese" vino tras ser lanzada como single en gran parte del mundo. A medida que la "rola" iba sonando en las radios, la gente empezaba dar sus conclusiones sobre lo que decía la letra y eso fue muy impactante.
Se cuenta que cuando la canción sonaba en Estados Unidos, corrió el rumor de que la canción era un homenaje irónico a la masturbación. hecho que dejó muy atentos a los líderes consrvadores de la época.
Pero los estadounidense iban mas allá, ya que no sólo decían que era un homenaje a la masturbación sino que además su título de refería al gesto facial que hace una persona cuando está en lo mejor del asunto.
Fue tan fuerte ese rumor, que los periodistas decidieron ir en busca de las reacciones de los integrantes de la banda, especialmente la del vocalista Dave Fenton. Pero este siempre respondía con algo de ironía para luego confirmar esa ídea o simplemente rechazarla, dejando a un paso las dudas.
Esas dudas llevaron a que el single se vendiera más y fuera parte importante de los medios de comunicación.

Pero la santa verdad se supo recien en el año 2002, cuando en las pantallas del canal VH1, Fenton explicó que esta canción la escribió tras romper con su novia y remarcó que simplemente la temática era de amor y que trataba sobre una persona que perdió a su novia y poco a poco se fue volviendo loco de tanta pena y soledad.
"Turning Japanese contiene todos los clichés sobre la ansiedad y la juventud, convirtiendola en algo inesperado" comentó Dave Fenton a un programa de esa casa televisiva. Con eso se puso fin a las polémicas y al misterio que rondaba sobre la temática de la canción.

"Turning Japanese" llegó al tercer puesto de los charts en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos ocupó el puesto #36 del Billboard Hot 100, logrando algo que ni los Jam habían logrado hacer a pesar de tener mas rodaje en las pistas que los Vapors.
En Australia esta canción fue grito y plata para la banda, ya que el single estuvo dos semanas en el N°1. ¿Y en Japón?... Bueno, en tierras japonesas la canción tuvo un éxito "reguleke", aunque igual entró al Top 30.

Fue tan fuerte el éxito de Vapors gracia sa esta canción, que los nuevos proyectos siepre se vieron opacados por esta eterna primavera. Luego de lanzar un segundo disco y otros singles, la banda fue deformando sus estilos musicales y finalmente se separó para quedar en la repisa como una simple agrupación "One-Hit Wonder". De esas que lo tuvieron todo con tan sólo una canción famosa...
Que la disfruten!

lunes, 24 de enero de 2011

I MELT WITH YOU / MODERN ENGLISH



"I Melt with You" es una canción de la banda británica de New Wave, Modern English que fue lanzada como single en Junio del año 1982 para promocionar su segundo LP titulado After the Snow (que data de Mayo del año 1982).
Modern English fue todo un suceso musical a inicios de los 80's, debido a sus interesantes y pegajosas melodías que la llevaron a ser una de las bandas emblemas del New Wave, a pesar de que en un comienzo se ligaban a la reveldía del Punk pero con el paso del tiempo, y ayudados por el rodaje sobre el escenario, evolucionaron mucho en materia musical.

Esta banda tuvo sus inicios en el año 1979 en la localidad de Colchester, cuando Robbie Grey (vocalista), Gary McDowell (guitarra y voz) y Michael Conroy (bajo) tocaban sus primeros acordes y mostrabans sus ideas musicales en una banda llamada The Lepers. Por eso días conocen al baterista Richard Brown y al tecladista Stephen Walker para dar rienda suelta a un nuevo proyecto musical llamado "Modern English".
Inspirados en las canciones de la épica banda post-Punk inglesa Joy Division, estos cinco chicos lanzaron en 1981 Mesh and Lace, su disco debut que dió mucho que hablar entre los críticos y los fanáticos del Indie Rock debido a su actitud y valentía de experimentar nuevos sonidos dentro del post-Punk.

Tras su buen comienzo en las pistas, los Modern English empezaron a trabajar en su segunda placa musical, con el fin de elevar su popularidad y conquistar el mercado estadounidense.
En 1982 la banda sorrende a su fans con una canción de amor que se alejaba de las viejas melodías del Punk e iba mas de la mano con el New Wave, género musical que la "rompía" por esos años. Esta canción se llamaba "I Melt with You" y de imediato tomó buenas críticas...

"I Melt with You" sacaba a los Modern English de las tocatas en bares y locales de mediana capacidad para saltar al estrellato y a sonar en las fiestas bailables. Pasaron a ser ídolos del New Wave para ser parte de grandes conciertos y promociones en los medios de comunicación, especialmente en el "desconocido" (?) canal MTV , donde esta canción causó furor con un llamativo videoclip.

Con un coro pegajoso y una letra que habla sobre el amor con una simpleza única, el single llegó al séptimo lugar del Billboard Top Tracks, mientras que en el Hot 100 sólo llegó a la casilla #78 en Julio de 1983, gracias a que fue incluída en el soundtrack de la famosa cinta Valley Girl.

Con el paso de los años, "I Melt with You" quedó como una de las canciones mas reconocidas del fenómeno musical New Wave, pese a que no logró entrar dentro del Top 10 estadounidense y las ventas fueron "reguleque no más".
Además, esta canción quedó para siempre como la melodía mas conocida de los Modern English a nivel mundial, y fue gracias a ella que estos cinco chicos ingleses lograron ser famosos.

En el año 1990 los Modern English deciden grabar una nueva versión de este hit con el fin de proocionar su disco Pillow Lips. Esta versión tuvo casi la misma suerte que la original y sólo llegó a la casilla #76 del Billboard Hot 100.

Pero la canción fue influencia para muchos y por ello los capos de VH1 la colocaron en el puesto #39 en su lista "100 greatest songs of the 80's" y posteriormente en la casilla #7 del ranking titulado "100 Greatest One Hit Wonders of the 80's", dejando muy en claro que no sólo de los charts vive una banda y una buena canción.
Que la disfruten!!!

sábado, 22 de enero de 2011

SAFE EUROPEAN HOME / THE CLASH



"Safe European Home" es una canción de la banda británica The Clash, que da inicio a su LP titulado "Give 'Em Enough Rope" que fue lanzado un 10 de Noviembre de 1978 y que fue el segundo trabajo discográfico que lanzó la banda en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos fue su debut en las pistas.
"Give 'Em Enough Rope" quedó como un disco potente, de sangre netamente punk y que fue considerado como el mejor disco Rock del año 1978 por varias revistas especializadas. La furia de las letras escritas por la superdupla formada por Strummer y Jones dejaron a este disco como una de las joyas de esta banda que fue considerada como "la única banda que importa" por sus claros y fuertes ideales políticos en defensa de las clases bajas de la sociedad y en contra de las injusticias de esta sucia sociedad.

1978 fue el año donde el Punk tomó mucha fuerza entre la juvenud británica. Dejo de ser el soundtrac de los bares escondidos en los sectores suburbanos de Londres para pasar a ser un ideal político y una forma de protestar contra los abusos de los que tienen el poder.
Gran parte de ese auge del Punk se debía al trabajo de The Clash, que con su disco homónimo rompío varias barreras e impuso en los medios de comunicación este nuevo y rabioso género musical.
Por todo esto, el segundo disco de The Clash era muy esperado por su fanaticada y a partir de Mayo de 1978 Strummer, Jones, Simonon y Headon decidieron empezar las sesiones de ensayo y grabación de nuevas canciones en los estudios Marquee de Londres.

Pero esas sesiones de grabación fueron muy duras y terminó con los cuatro integrantes de la banda aburridos y cancelando el proyecto. Los chicos no se sentían a gusto con el sonido, las canciones y con el productor, Sandy Pearlman, que odiaba el timbre vocal de Strummer.
Sobre esos duros momentos, el vocalista de los Clash mencionó en el documental "From The Westway To The World" que: "Debo admitir que la grabación de aquel segundo disco («Give ‘Em Enough Rope») fue la situación más aburrida en la que he estado nunca. Fue una grabación tan perfecionista que fue un contraste total con el primer álbum que arruinó toda espontaneidad".

Días despues de dar por cancelada las sesiones de grabación, Joe Strummer y Mick Jones pescaron sus cosas y se largaron a Kingston, Jamaica, con la misión de buscar nuevas influencias para escribir canciones que serian incluídas en el "Give 'Em Enough Rope".
La estadía en Jamaica de los dos miembros de The Clash no fue fácil, y ellos mismos mencionaron que se sentían como un pez fuera del agua en esas tierras. Su manía de investigar nuevos sonidos llevó a que cierta gente tratara a estos dos extranjeros como unos ladrones que venían a la isla a robar sus costumbres y su música.
"Sabíamos que en cualquer momento llegaría un asesino para hacernos picadillo y nos diría: ¿Que se creen ustedes para venir a Kingston sin respeto hacia a los rastas? Cuando nos dimos cuenta de la situación decidimos escapar" mencionó Strummer años después.

Strumer y Jones decidieron pescar sus maletas e ir de inmediato al Reino Unidos, su lugar seguro para vivir. De esa llamativa experiencia, los dos cerebros musicales de The Clash escribieron una canción que terminó siendo titulada como "Safe European Home".
Una canción marcada por la potencia de la guitarra en manos de Mick Jones que se mezcla de manera notable con el trabajo en batería de Headon, un baterísta de 10 puntos. A eso le tienen que sumar el trabajo vocal de Strummer que con gritos y guiños le incorporó mas energía a la canción con cierto aire a rabia, la rabia de ser perseguidos en Jamaica como si fueran unos ladrones.

"Safe European Home" quedó como una canción memorable, que entrega toda la potencia de los Clash y que relata la desesperación de volver a casa luego de ser perseguido tras ser declarado ladrón.
A pesar de su odio por Londres, Los Clash le dedican es ta canción a esa ciudad que les da ba seguridad, que auque tuviera problemas económicos, jamás verían a un ser con una pistola apuntándolos por falsos cargos.
Les dejamos esta potente canción para menear las melenas hasta el suelo y amar la seguridad de estar en casa (?).

Que la disfruten!

viernes, 21 de enero de 2011

NO-ONE BUT YOU (ONLY THE GOOD DIE YOUNG) / QUEEN



"No-One But You (Only the Good Die Young)" es una canción de la famosa banda británica Queen, que fue publicada dentro del album recopilatorio "Queen Rocks" en Noviembre de 1997 y que fue lanzada como single promocional un 5 de Enero de 1998.
Esta canción se convirtió en una pieza de colección para los fanáticos ya que fue la ultima composición interpretada por los tres miembros restantes de la banda tras la muerte de su vocalista Freddie Mercury en Noviembre de 1991 a causa del SIDA.

Cuando May, Deacon y Taylor se reunieron en las oficinas de su sello discografico para elegir las canciones que debían ser parte de su proyecto "Queen Rocks" estos aprovecharon la "buena onda" entre recuerdos y anécdotas para grabar una canción que le diera un "plus" especial al disco para que este trabajo no fuera un simple y abusado "Greatest Hits" del montón.

Por eso días, el guitarrista Brian May se encontraba trabajando en su segundo LP como solista titulado "Another World" y tenía varias melodías en carpeta para dicho proyecto musical. Asi fue como el melenudo guitarrista le enseñó a Roger Taylor una interesante melodía en el piano y fue en ese momento cuando el baterista decidió poner manos a la obra a la idea de escribir una nueva canción dedicada a su gran amigo y alma musical de Queen.
Finalmente May y Taylor terminaron de escribir la letra de la canción, que destaca por ser emotiva y muy nostalgica, bastante influenciada por los buenos momentos que pasaron junto a Freddie.
La letra está plagada de detalles ligados a la vida de Freddie, especialmente con algunas frases que pertencen a sus famosas composiciones que dejó para toda la eternidad. Un par de ejemplos sobre esto es la frase "tricky situation" que pertenece a "It's a Hard Life" y "now the party must be over" que fue sacada de "Party", pieza que da inicio al disco The Miracle de 1989.

En lo musical, Deacon puso sus mejores ideas junto a unos inspirados Taylor y May para dar rienda suelta a una balada hermosa, delicada, con una poesia que se caracteriza por homenajear al recuerdo de alguien que en poco tiempo de vida dejó un legado tan grande que es muy díficil de olvidar. El mensaje estaba mas que claro: "Sólo los buenos mueren tan jóvenes" , y Freddie fue uno de esos...

Pero la canción causó gran impacto dentro de la sociedad británica ya que justo fue publicada meses despues de la trágica muerte de Diana de Gales. Fue tanto el impacto de ese suceso que al escuchar esta nueva balada muchos fanáticos y críticos musicales pensaron que era un homenaje de los tres miembros de Queen a la denominada "Princesa del Pueblo". Estaban algo equivocados, aunque tambien esa confusión ayudó a las ventas y a la promoción del disco compilatorio que la incluía. Puee sonar cruel pero así funciona el negocio...

"No-One But You" quedó como una canción que va mas allá de un homenje a la irremplazable voz de Queen y que quedó para recordar a esos seres cercanos que murieron jiendo jóvenes pero que en su poco andar por la tierra dejaron un legado importante en todo sentido.
Luego de esta canción, el bajista John Deacon decidió retirarse de la música y empezar a disfrutar de su familia tras años ligado a una de las bandas mas emblematicas del rock y de la historia de la música popular.
Que la disfruten!

miércoles, 19 de enero de 2011

FLY AWAY / JOHN DENVER



"Fly Away" es una canción del cantante y compositor de música country John Denver, que fue lanzada como single en Noviembre de 1975 y que estaba incluída en su famoso LP Windsong , publicado el mismo año.
Denver destaca por ser uno de los músicos estadounidenses mas influyentes dentro de la música country, con letras donde declaraba su admiración por la naturaleza, simples pero valóricas reflexiones sobre la vida y frases románticas hacía las relaciones de pareja. Todo eso era Denver..

Pero no sólo la música apasionaba a este músico oriundo de Roswell, ya que tambien tenía un pasatiempo que lo dejaba loco y ese era volar por los aires en aviones varios. Denver gustaba pilotear aviones para poder relajarse despues de tantas giras y poder ver el mundo desde as alturas. Esa pasión siempre la tuvo ligada a sus canciones y muchas veces lo mezclaba con los sentimientos del ser humano.
Esa sensación de que volar era un escape de los cotidiano y lo rutinario llevó a Denver a escribir una pieza musical que hablara sobre la nostalgia de los viejos momentos y el deseo de no vivir nunca en soledad para no caer en profundas depresiones. Esa canción se llamó "Fly Away"...

Para la grabación de esta nueva canción, John Denver decide invitar a su amiga, la cantante y actriz australiana, Olivia Newton-John para que apoyara en los coros. Por eso días Olivia empezaba a ser conocida en su trabajo como cantante mientras Denver vivía lo contrario, ya que pasaba por su mejor momento en cuanto a popularidad y venta de discos.
Por alguna que otra misteriosa razón, ni en el single ni tampoco en el disco aparece acreditada la participación de la cantante dentro de esta canción. Diversos estudiosos en el tema creen que el motivo de no acreditar a Olivia era para no tener problemas entre las discográficas que tenían atados a estos dos grandes de la música setentera.

"Fly Away" llegó al puesto #13 del Billboard Hot 100 y quedó para siempre como una de las canciones mas exitosas de este artista estadounidense debido a su cálida y simple melodía, un juego de voces que deja los pelos de punta y una letra magnífica, que toca el corazón del oyente, mas aún si anda bajoneado o con ganas de escapar de la soledad.

Un 12 de Octubre de 1997 todo el mundo se impactó al saber que Denver había muerto en un accidente aereo cerca de Pacific Grove, California. Sonaba fuerte pero su pasión por volar hizo que encontrara la muerte mientras piloteaba su avión cerca de las costas del Oceano Pacífico.
La causa de este accidente fue que la nave no llevaba el combustible suficiente en su tanque principal al momentos de despegar y cuando el músico intentó buscar el tanque de repuesto pasó a golpear el timón y cayó en el Oceano y poniendo fin a una vida plagada de exitos muicales, premios, luhcas ecologicas y contra el hambre en Africa pero dejando para siempre su música como un legado histórico.

Que la disfruten!!

EVERYDAY / BUDDY HOLLY & THE CRICKETS



"Everyday" es una canción del músico estadounidense Buddy Holly (grabada junto a su banda The Crickets) que fue lanzada como single un 29 de septiembre de 1957 como lado B de la aclamada canción "Peggy Sue".
Pese a su corta carrera musical, debido a un comentado accidente aereo, Buddy Holly quedó dentro de la historia del rock and roll como uno de los músicos mas influyentes para las nuevas bandas, que tomaron su legado como algo a imitar y seguir explorando esos sonidos tan llamativos que lo llevaron a ser la escencia creativa del buen rock.

Viajemos a los primeros días del año 1956, cuando un joven músico que se hacía conocido como "Buddy Holly" ya empezaba a hacer sus primeros pasos en el rock and roll escribiendo una que otra canción y recorriendo gran parte de Estados Unidos junto a un grupo de amigos donde incluso llegaron a actuar como teloneros de los shows de Elvis y Johnny Cash.
Pero ese añola cosa iba a cambiar rotundamente, ya que una agotado y deprimido Buddy Holly volvió a su tierra natal, Lubbock en Texas, a descanzar de tantas tocatas y el poco dinero reunido. A eso sumenle las pocas oportunidades que tuvo para presentar sus propias canciones ante productores que sólo buscaban artistas desechables.
Meses despues, Holly formó un nuevo grupo musical para probar suerte en las escena musical,a los que bautizó como The Crickets y que estaba formado por el baterista Jerry Allison, el bajista Joe Malduin y el guitarrista Nikki Sullivan. Con este grupo de soporte empezarian nuevos aires para el talentoso Buddy Holly...

Desde ese momento, Buddy y sus amigos eligieron como bunker creativo los estudios de grabación del productor y amigo personal del músico, Norman Petty ubicados en el estado de Nuevo Mexico. Fue ahí donde la banda empezó a grabar y lanzar singles que poco a poco fueron tomando popularidad en los medios de comunicación.
Las sesiones de grabación eran extensas y muy cansadoras e incluía la brillante ayuda del productor Norman Petty en los arreglos musicales y la elección de los singles.
Asi fue como un 29 de Mayo de 1957, en esos estudios Buddy Holly y los Crickets graban ua hermosa y tierna balada llamada "Everyday", que pertenecía a Holly y a Petty.
En esa historica sesión Holly se hizo cargo de la guitarra acústica, Joe Mauldin del bajo acustico y Jerry Allison dejó de lado su batería para grabar las palmas. Hasta ahí la canción ya tenía forma y llamaba la atención del público pero Norman Petty quería ir mas allá y se le ocurrió usar un instrumento musical bastante llamativo.

Mientras la banda ensayaba nuevos temas, Norman llamó a su esposa Vi para que asistiera al estudio a tocar la "Celesta", que es un instrumento muy parecido al piano pero cuyo martillos son activados por teclas que percuten placas de metal en lugar de cuerdas tensas. Estas placas al ser percutidas provocan una llamativa resonancia sobre una caja de madera que logra producir un sonido "celestial", de lo cual proviene el nombre.
Norman se dió cuenta que esta canción estaba apta para el uso de ese instrumento y decidió volver a grabar la melodía pero con Vi Petty en la "Celesta". Este detalle musical hacía que Holly tomara delantera entre sus colegas que por ese entonces sólo seguían lo que pedían las radios y los productores.

Cuando fue lanzada como single, la canción alcanzó gran impacto entre la multitud y fue muy aplaudida por los criticos, que la encontraba una pieza de colección para el buen gusto musical de esas personas que ya estaban aburridos de tanta copia de acordes y canciones de "medio pelo".
Pero "Everyday" fue tomando mas popularidad con el paso de los años, cuando Buddy Holly ya era una leyenda. En el año 2004, la revista Rolling Stone la puso en su lista "The 500 Greatest Songs of All Time" que la casilla #236.

Les dejamos esta hermosa canción, con toda la calidad de un músico que influyó a toda una generación pese a su corta vida truncada por un accidente aereo. Un pionero del rock de verdad, un detallista en la producción y un artesano de grandes canciones com esta que hoy analizamos, que el mismisimo John Denver se atrevió a cantar y adaptar en homenaje a ese gran músico llamado Buddy Holly...
Que la disfruten!

sábado, 15 de enero de 2011

RAMBLIN' MAN / THE ALLMAN BROTHERS BAND



"Ramblin' Man" es una canción de la banda estadounidense The Allman Brothers Band, que fue lanzada como single en el año 1973 y que está incluída en su aplaudido disco Brothers and Sisters, que fue publicado en Agosto de 1973 y que se convirtió en uno de sus trabajos musicales mas vendidos y aclamados por la prensa.
Esta legendaria banda estadounidense se caracterizada por el buen gusto de mezclar diversos estilos musicales en sus trabajos musicales, donde destacan el soul, blues, country y Rock. Sus memorables presentaciones en vivo, donde hacían de las suyas con espectaculares improvisaciones para demostrar todo su talento musical en cada instrumento que los hizo ser una de las agrupaciones musicales mas importantes del Southern Rock.

"Ramblin' Man" fue escrita por el guitarrista Dickey Betts mientras pasaba unos días en casa de sus padres, en Macon, Georgia. El guitarrista escribió esta canción inspirandose en una melancólica melodía del mismo nombre que fue interpretada por el cantautor estadounidense Hank Williams en 1951. Dicha canción, en voz de Williams, hablaba sobre un hombre que viajaba por muchos pueblos y conocía en cada uno de ellos a diferentes personajes, pero jamás se tomaba la vida muy en serio. Esa ídea de libertad, de no estar estancado a un lugar, a una casa o un trabajo hizo que Betts se acercara a la canción y escribiera algo parecido.

Betts tituló a su nueva creación como "Ramblin' Country Man" y en Octubre de 1972 se la presentó a su banda. Finalmente decidieron grabar esta canción y decidieron cambiar el título sin darse tantas vueltas y sólo sacándole la palabra "Country".
Cuando ya la tenían practicamente grabada, arreglada y lista para ser lanzada como single, la banda decidió adelantar su nuevo trabajo interpretándola a finales de Octubre en la grabación de un show de televisión de la cadena ABC llamada In Concert, el cual sería su primera aparición en la TV estadounidense y a la vez la última aparición del bajista Berry Oakley. Un 11 de Noviembre de 1972, en una de las calles de Macon, Georgia, el bajista tuvo un acidente en moto. Cuado llegaron los paramedicos, estos notaron que Oakley había salido ileso del choque y se negó al tratamiento médico. Horas despues, cuando ya estaba en su casa reposando, Oakley fallecía por un edema cerebral causado por una fractura en el cráneo. Esto dejaba muy bajoneado a los Allman Brothers ya que aún no pasaban el luto de la muerte de su llíder y guitarrista Duane Allman un año antes en la misma calle y por culpa de una mala maniobra en motocicleta.

Una canción impresionante, dueña de una melodía fantástica marcada por un solo de guitarra en manos del famoso músico de sesión Les Dudek que deja los pelos de punta a cualquier mortal.
"Ramblin' Man" llegó al segundo puesto del Billnoard Hot 100 y quedó para siempre como una de las canciones típicas del rock sureño en Estados Unidos, donde la cantan hasta en los jardines infantiles...
Que la disfruten!

viernes, 14 de enero de 2011

I LOVE MY DOG / CAT STEVENS



"I Love My Dog" es una canción del músico británico Cat Stevens (ahora conocido como Yusuf Islam) que fue lanzadacmo su single debut el 30 de Septiembre de 1966 y que luego formó parte del repertorio de Matthew and Son, su disco debut que vió la luz los primeros días de Marzo de 1967.
Ese disco traía a un Cat Stevens muy influenciado por bandas como The Beatles y Rolling Stones mezclando esos gustos con el jazz y el famoso folk de Bob Dylan y derivados, creando un telón musical muy interesante que logró llamar la atención de muchos críticos que andaban en busca de nuevos aires musicales.

Esta canción tiene su origen en el año 1965, cuando Cat fue a visitar la casa de su amigo Jimmy Mitchell. Lo que mas le sorprendió de esa vivienda fue la colección de discos de Jazz que tenía su amigo, donde destacaban colecciones completas de Nina Simone y Roland Kirk.
Al ver el asombro de Cat, Mitchell invitó a su amigo a que saque sus ganas y ponga el disco que mas le gustara o aquél que le llamara más la atención, y Stevens pescó uno del jazzista Yusef Lateef y quedó asombrado con las maravillosas melodías de esas piezas musicales interpetadas por este famoso multi-instrumentista, especialmente con "Plum Blossom". Dicha melodía quedó entre las favoritas del músico y estuvo varios días escuchandola en su habitación, a tal punto de que decidió escribir una canción bajo esa influencia musical.

Stevens ya tenía hecha la base musical, ahora andaba en busca de una ídea para la letra, y para ello quizo hacer un homenaje a su infancia marcada por la compañía y las travesuras de un perro salchicha que lo acompañó en varias aventuras.
La canción fue titulada como "I Love my Dog" y fue un homenaje a ese perro que Cat encontró atado a un poste en una avenida cercana a su hogar. Al verlo tan triste y aburrido, el pequeño Steven Demetre Georgiou (nombre verdadero de Cat) decidió cuidarlo hasta que apareciera su amo. Cuado pasaron varias horas y el dueño del perro brillaba por su ausencia, el músico pescó al perro y se lo llevó a su hogar donde se quedó hasta sus ultimos días en ese patio, compartiendo muchos recuerdos y travesuras varias.

Stevens por esos días andaba en busca de un contrato para grabar sus canciones, pero las oportunidades no aparecían por ningun lado. Fue tanta la desesperación que un día su hermano decidió ayudarlo y fue a buscar como sea a algún productor que escuche y de alguna respuesta sobre las canciones de este joven que tenía un talento especial para la música.
El único que hizo caso a la petición fue un productor llamado Mike Hurst, quien había sido integrante del grupo Springfields y andaba en busca de nuevos talentos para algunas audiciones que se hacían en diferentes casas disqueras.
Mike llegó y escuchó "I Love My Dog" en voz de su autor, y quedó muy impactado por la potencia y la belleza de la canción, asi que de inmediato le dijo a Cat que pescara su guitarra y algunas monedas porque tenían que ir a grabar esa canción. Además de eso, el productor le consiguió un contrato con el sello Deram, donde se mostraron muy interesados en este joven artista.

No pasaron ni tres meses despues de grabar oficialmente "I Love My Dog" cuando la canción ya era todo un éxito en el Reino Unido ocupando el puesto #28 en los charts, siendo el primer gran paso de este joven apodado "Cat Stevens" quecomenzaba una carrera musical que luego tendría mejores logros y que lo dejaría coo uno de los artistas mas conocidos en la historia de la música popular con canciones memorables.

Cuando su carrera musical pasaba por su mejor momento, en 1978 las cosas cambiaron para el artista, debido a una experiencia cercana a la muerte. Desde ese momento el autor de esta canción decidió convertirse al islam y abandonar por un extenso periodo la música. Desde ese momento adoptó el nombre Yusuf Islam y colgó la guitarra para dedicarse a la reflexión.
A pesar de su cambio de nombre y de estilo de vida, Yusuf nunca se olvidó de la importancia que tuvo para su fama y carrer aartistica esta canción y ese mismo año 1978 decidió ceder parte de los derechos de autor a Yusef Lateef. ¿Cuál fue su motivo? Simplemente el confesar de que ocupó ciertos acordes de una de sus piezas musicales y que le daba verguenza ser un plagiador (o casi pecador)... Increíble!
Que la disfruten!

jueves, 13 de enero de 2011

I DON'T WANT TO SPOIL THE PARTY / THE BEATLES



"I Don't Want to Spoil the Party" es una canción del famoso grupo británico The Beatles, que fue incluída dentro del disco Beatles for Sale, que fue lanzado en el Reino Unido en Diciembre de 1964 y un año despues en el álbum Beatles VI, que fue hecho exclusivamente para Estados Unidos en 1965. Para promocionar el disco en tierras norteamericanas, esta canción fue publicada el 15 de Febrero de 1965 como lado B del single que incluía a la aclamada "Eight Days a Week".

Era 29 de Septiembre del año 1964 y The Beatles se encontraba en los estudios Abbey Road grabando el que sería su cuarto album musical. Lennon y McCartney ya tenían el repertorio casi hecho, y solo faltaba una canción por grabar, esta se llamada "I Don't Want to Spoil the Party" y se caracterizaba por ser una melodía muy triste que contrastaba con las alegres canciones de antaño que cubrían su fama mundial.

La historia cuenta que por eso días antes de entrar a grabar el disco, Lennon ya trataba de incluír en sus letras sus duras reflexiones sobre la vida marcada por la frustración de una juventud muy pesada y marcada por problemas familiares.
Ante todo ese extraño contexto, John se encontró en el estudio con un Ringo Starr que quería incluír en este disco una canción con sabor a "Country", que era uno de los estilos musicales favoritos del baterísta en el cuál ya estaban experimentado. Ante todo eso, Lennon intentó mezclar esas dos ideas...

Asi fue como llegó a la canción, y mientras buscaba nuevas canciones para el cuarto disco de la banda, Lennon se encontró con el disco que contenía "It's My Party" de la cantante estadounidense Lesley Gore. Por esos días de 1964, esa alegre y pegajosa canción era todo un hit entre la juventud y en los medios de comunicación sonaba a cada rato, pero mr. Lennon la odiaba. Su plástica y simple letra, hizo que Lennon no se sientiera parte de la fiesta de Gore y empezó a escribir una canción que iba en sentido contrario a esa melodía popular.
Bajo unos acordes ligados a la música Country, Lennon empezó a escribir una letra donde dejaba muy en claro sus penas y conflictos juveniles escondidas dentro de una historia sobre un hombre que está en una fiesta (quizás la fiesta de Lesley Gore!!) y a la vez espera la llegada de su novia. Pasan las horas y la chica nunca llega, ante eso simplemente pesca sus cosas y se marcha con el corazón destrozado y la cabeza baja para no estropear esa fiesta donde todos la pasaban bien, menos él.
Años despues, Lennon diría en una entrevista que "I Don't Want to Spoil the Party" era una canción muy personal y trataba sobre sus frustraciones con respecto a la fama. Además, el músico añadió que la ídea de cantar la canción y no dejarla para la voz de Ringo se debió a que " en esos días yo tenía menos material musical que Paul por que este era mas bueno en la guitarra, y en verdad, él me enseñó muchos trucos en la guitarra. Debido a eso, y sumado el contenido de la letra, decidí cantar esta canción".

Mientras tanto, Paul confesó en su biografía, Many Years From Now, algunos datos muy interesantes sobre la canción, en especial sobre el hecho de que Ringo se quedó con los brazos cruzados esperando cantar: "Ringo tenía un gran estilo y era muy entregado dentro de la banda. Por eso, siempre los fans esperaban algo de él, por lo que siempre le escribíamos una canción para que la cantara."I Don't Want to Spoil the Party" era la canción, y sonaba muy linda y fue co-escrita por John y yo. Aunque suena más a John, ya que él hizo el 80% y yo el 20% del trabajo. Eso no significa que no haya sido divertido escribir esta canción, ya que era arte, y esto iba de la mano con eso, por algo Ringo hizo un buen trabajo".

Si bien la canción logró entrar en el puesto #39 de las listas de Estados Unidos, la canción dejó muy en claro que The Beatles ya daba un paso más adelantado a comparación con la competencia. Ellos ya empezaban a probar nuevos estilos musicales y a mezclar sus influencias de tal manera que salían "joyitas" como esta y eso ya les daba un aplauso mundial.
En 1989, la cantante de música country Rosanne Cash, hija del maestro Johnny Cash, se tiró a la piscina con una versión de "I Don't Want to Spoil the Party" y conquistó el primer lugar en el American Country chart. Eso ya lo dice todo...
Larga vida a Los Beatles y que la disfruten!!!!

RUSSIANS / STING



"Russians" es una canción del famoso músico británico Sting, que fue lanzada como single un 1 de Noviembre de 1985 y fue inlcuída en su primer disco como solista, tras la ruptura de The Police, titulado The Dream of the Blue Turtles.
La fama que venía arrastrando desde principios de los 80's hizo que Sting se convirtiera en un músico conocido a nivel mundial gracias a su talento para fabricar buenas canciones. Por ello, su primer disco como solitario fue todo un éxito en ventas obteniendo triple disco de Platino en el Reino Unido, dejando muy en claro que la sombra de The Police no le afectaba para nada.

En dicho disco, Sting dejó muy en claro sus posturas políticas que iban de la mano con el repudio hacía la Guerra Fría, que por ese entonces estaba en su punto mas confuso debido a la carrera armamentística por parte del gobierno de los Estado Unidos, donde amenazaban con usar armas nucleares, y la respuesta de los gobernantes sovieticos fue parecida. Al parecer, se venía una guerra Nuclear, un holocausto mundial donde por unos estúpidos y sucios ideales políticos morirían millones de personas inocentes al apretar un botón.
En esos momentos, cuando las relaciones políticas entre Rusia y Estados Unidos pasaban por un momento muy tenso, el cantante británico decide escribir una pieza musical llamada "Russians" , cuya música fue inspirada por una composición del pianista ruso Sergei Prokofiev llamada "Romance Melody" que pertenece a su obra "Lieutenant Kije Suite".

En "Russians", Sting reflexiona sobre el motivo del odio entre rusos y estadounidense, y el por qué esa brutal actitud de destruirse mutuamente con armas nucleares, sin pensar en sus hijos, en su pueblo y en lo inutil de hacer una Guerra, que mas que una solución es una cruel mentira para obtener poder, el oscuro poder.
Tambien hay una referencia al físico estadounidense Robert Oppenheimer (en la parte que dice "Oppenheimer's deadly toy"), que fue conocido como "El padre de la Bomba Atómica", ya que él fue el director científico del famoso proyecto Manhattan donde se crearon las primeras armas nucleares. Las mismas que despues fueron usadas por Estados Unidos en contra de Japón en los ataques a las ciudades de Hiroshima y Nagasaki en 1945, en plena Segunda Guerra Mundial.
Tiempo despues, al ver la cruel muerte de gente inocente en esos pueblos japoneses, este físico se arrepintió de su creación y empezó a trabajar en un comité para la regulación y vigilancia de este tipo de armamento radioactivo.

Sting en su canción quería dar un mensaje para salvar al mundo de una guerra Nuclear, la cuál podía traer consecuencias muy trágicas y en donde la muerte de seres humanos nuevamente sería la solución para ganar territorios, papeles y sacar una bandera ideologica que no servía para nada, sólo para medallas, libros de historia y marchas militares.

En el Reino Unido la canción llegó al puesto #16 de los charts mientras que en Estados Unidos "Russians" llegó al puesto #12 del Billboard Hot 100 en 1986.
Pero en el país donde la canción literalmente "la rompió" fue Francia. En tierras galas esta pieza de Sting estuvo tres semanas en el segundo puesto de los charts y casi 20 semanas dentro del Top 50. Fue tanto su éxito, que en el año 2000 se hizo un ranking sobre los singles que marcaron la historia musical de Francia y "Russians" ocupó el puesto 636.

Una canción para reflexionar sobre los inutil de las Guerras y todo el ambiente tenso que estas traen. Una pieza musical de alto calibre, con un sonido impactante y con una letra muy valiente. Otro hit de Sting... Que la disfruten!!!!!!!!!!!!